Blood Bead

“Tokita, document.write(“”); already into his middle age, has been teaching at a film school in Kyoto for a while. He would prefer to be directing films rather than teaching about them but it pays the bills and life isn’t bad. Indeed, he is having an affair with Yui, the pretty secretary of the film school. Still, the fact that he hasn’t been able to finish his script and find funding for his project nags him enormously. He is a filmmaker not a schoolteacher… Then, on the street, he runs into a striking young high school girl and his life changes. Not necessarily for the better. He is immediately smitten with Ritsuko. He begins to stalk her. He becomes delusional. His life itself becomes a film. And its ending has not been written.”
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(Text from the
Festival’s program)


WARNING: May contains trace of spoilers! People allergic to the discussion of any plot’s elements before seeing a movie are strongly advised to take the necessary precautions for their safety and should avoid reading further.

I enjoyed this movie (what’s not to like with a movie with lots of beautiful nudity?) but it’s a little hard to talk about it. I’ll do my best. The story is relatively simple and yet rather complex altogether. However, it’s always interesting when movie makers turn the camera on themselves.

Movie director Tokita (Eiji Okuda) is teaching at a film school in Kyoto. He has a rather good life with his mistress Yui, a secretary at the film school, but he would rather be making movies than teaching about them. However, he has not been able to finish a script in a while. He says that, as long as he is thinking about a script, he can still feel he is a director. He is currently working on a pinku eiga script largely inspired by his relationship with Yui.

Tokita is in his sixties and can hardly get an erection, particularly when he’s drunk, but it only makes him more obsess with sex. The title of the movie refers to the “Akadama” legend saying that a blood bead will come out to mark the very last ejaculation of a man.

One day, he notices a high school girl and starts following her, stalking her and becomes obsess by her. He imagines having an affair with her, rapping her even, but he is stuck and doesn’t know how to end his story. At some point, he discovers that the school girl prostitutes herself (she’s charging $700!). He succumbs to the temptation and sleeps with her, but feels disgusted with himself afterward. Seeing his increasing obsession for Ritsuko while typing the script, Yui decides to leave Tokita.

Tokita feels desperate but succeed to finish the script anyway and presents it to a production company which doesn’t sound very receptive. He pleads that it would be his last movie, and ask to please give him a chance! Tokita gets drunk but, as he receives an email from the production company saying that they agree to finance his movie on some conditions, he gets hit by a car and dies!

Once again we have here a movie that tackles the subject of the increasingly older population of Japan which reflects a serious preoccupation among the population. This time we are presented with the despair that sexual frustration and the worth of one’s legacy can provide to an elderly man.

Director Banmei Takahashi, who is himself not unfamiliar with pinku eiga, said in the Q&A that he thought young directors were not putting enough sex in their movies and he wanted to remedy that. He also said that he killed the main character at the end because one of his friends died that way and he wanted to make an homage to him.

During the course of the movie we follow both Tokita’s life, the story of his script as well as his own fantasies, and this makes it rather difficult sometimes to discern which is what. However, it is a good and interesting movie — albeit a little weird — that offers a reflection not only on Japanese cinema but also on the life of elderly men. And, of course, there’s plenty of sex scenes!

Blood Bead (????/ Akai Tama / Perle de sang): Japan, 2015, 108 min.; Dir./Scr.: Banmei Takahashi; Music: Gorô Yasukawa; Phot.: Shinji Ogawa; Ed.: Kan Suzuki; Cast: Eiji Okuda (Shuji Tokita), Fujiko (Yui Oba), Yukino Murakami (Ritsuko Kitakoji), Shota Hanaoka (Kenichi Yajima), Shiori Doi (Aiko Kato), Tasuku Emoto (Aoyama), Keiko Takahashi (Yuriko). For a mature audience (18+).

Film screened at the Montreal World Film Festival on August 29th, 2015 (Cinema Quartier Latin 10, 19h00 – the theatre was a little less than half full) as part of the “World Great” segment. The director was present for a Q&A after the screening.

For more information you can visit the following websites:
Blood Bead © 2015?Blood Bead?Production Committee. All Rights Reserved.

Introduction and Q&A


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Kagura-me

“Akane, document.write(“”); a young woman who lives in a small rural town in Japan, loses her mother when she is a child, and cannot overcome the loss. Akane’s father had left her mother’s side before she passed away because he went to perform kagura, a traditional ritual dance at Japanese festivals. Akane has never forgiven him and seldom talks to him. Not that he doesn’t regret his action. He too was deeply affected by his wife’s death and he never performed kagura again. Akane leaves home after high school graduation, and starts a new life far away in Tokyo. But life in the big city is overwhelming and Akane returns home after five years. Thirteen years after her mother’s death, Akane’s father has decided to come out of retirement, just to be able to dance in the big 60th anniversary festival. But he has aged. He has serious health problems. He collapses in rehearsal and it becomes clear that he won’t be able to perform. But Akane’s heart has softened. How can she help him? Perhaps by learning kagura?”
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(Text from the
Festival’s program)


WARNING: May contains trace of spoilers! People allergic to the discussion of any plot’s elements before seeing a movie are strongly advised to take the necessary precautions for their safety and should avoid reading further.

This movie is very Japanese: it is beautiful and slow paced. It’s a rather complex story and the festival’s program did a very good job at summarizing it, so I won’t say more about it. It’s set around a rural ritual where one danse to please the gods in order to get a good harvest, but it’s a story about grief, about caring for elderly parents, and a little about domestic violence. It poses a very fundamental question about modern life in Japan: is it better to preserve the tradition as it always was or should we adapt it to modern life and therefore preserve the tradition spirit rather than its strict form?

Exceptionally, this movie was subtitled in french (which is rather rare at the MWFF as it is done mostly for the movies in competition) but, unfortunately, this time the subtitling was full of mistakes. Bad translation and spelling mistakes can be quite distracting from the movie itself. The translation was probably done hastily to present the movie at the festival.

All in all, it remains a beautiful movie (Japan’s countryside is always pleasant to look at) about the trials of life.

Kagura-me (???? / lit. “god enjoyment’s woman”): Japan, 2015, 112 mins; Dir.: Yasuo Okuaki; Scr.: Yasuo Okuaki & Nozomu Namba; Music: Kôji Igarashi; Phot.: Hiroshi Iwanaga; Prod. Des.: Takashi Yoshida; Cast: Tomomitsu Adachi, Mayumi Asaka, Masayuki Imai, Tsunehiko Kamijô, Mei Kurokawa, Ryoichi Kusanagi, Ryû Morioka, Nanako Ohkôchi, Maki Seko, Masayuki Shida, Keiko Shirasu, Rina Takeda, Ryoko Takizawa, Mariko Tsutsui, Ren Ôsugi.

Film screened at the Montreal World Film Festival on August 29th, 2015 (Cinema Quartier Latin 9, 15h00 – the theatre was a little less than a quarter full) as part of the “First Film World Competition” segment. The production team organizer was present to introduce the movie.

For more information you can visit the following websites:

Introduction of the screening


Kagura-me © ?Kagura-me?Production Committee.

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Ninja Hunter

“In 1581 during a bitter feud between 2 ninja clans, document.write(“”); Tao, a ninja from the Iga Clan, wakes up with amnesia. Forty ninjas lie dead in front of him and off to one side lies a dead female ninja. He doesn’t remember how and why he got there. His assignment is to retrieve a document that will reveal the traitor’s identity. Who killed all the ninjas? Is one of them the traitor? Little by little Tao solves the mystery.”
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(Text from the
Festival’s program)


WARNING: May contains trace of spoilers! People allergic to the discussion of any plot’s elements before seeing a movie are strongly advised to take the necessary precautions for their safety and should avoid reading further.

This screening was plagued from the start by numerous technical problems: the show started ten minutes late, there was microphone problems for the presentation, not long after the beginning the movie lost its sound, then there was sound but no picture, repeatedly. After forty-five minutes of agony, the screening was definitely stopped. I had to finish watching this movie in the press screening room later. In the end, this movie was a great disappointment.

Kei is a female ninja sent to the Koga clan as double agent. She comes back with a list of traitors inside the Iga clan. After bringing the list she go to see Tao, her friend. A battle ensue and Tao is hit on the head, loosing his memory. Now, Kei is dead, and he is not sure who the enemy is anymore. Maybe he is one of the traitor? Or is he one of the heroes? He will have to slowly figure out what happened.

This is clearly a low budget movie (they use lots of natural set like cave, temple, forest) that makes a terrible ninja movie with lots of bad fighting stunt. The costumes of not historically accurate (lots of leather and the female ninja wears high heel boots!) and the blood looks horribly fake. And there’s this very annoying special effects that marks the beginning and end of all flashbacks. The end credits are nice, though.

The idea is interesting but the execution is rather clumsy. The movie repeats the same battle scene again and again, each time with a different point of view, in order to show Tao’s conflicting memories, his current understanding of the situation or the reversal of his hypothesis. Did I mention the annoying flashbacks? The final battle is quite ridiculous. It’s an entertaining movie, but nothing more.

It is a kind of movie that would have had more appeal with the Fantasia audience, which is younger and specifically seek this kind of not-so-serious action movie. I guess that adding this title to the programming was an attempt from the MWFF to reach out to this kind of audience—without much success.

Ninja Hunter (???? / Ninja Gari) : Japan, 2015, 96 min.; Dir./Scr./Ed.: Seiji Chiba; Phot.: Kenji Tanabe, Arsuchi Yoshida; Music: Kuniyuki Morohashi; Cast: Mitsuki Koga, Mei Kurogawa, Masanori Mimoto, Kentarô Shimazu, Kazuki Tsujimoto.

Film screened at the Montreal World Film Festival on August 28th, 2015 (Cinema Quartier Latin 12, 16h00 – the theatre was a little more than a quarter full) as part of the “Focus on World Cinema” segment. The screening was interrupted due to technical problems.

For more information you can visit the following websites:
Ninja Hunter © 2015 Shochiku International.

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Tokyo Fiancée / Ni d’Eve ni d’Adam

“La tête pleine de rêves, document.write(“”); Amélie, 20 ans, revient dans le Japon de son enfance. Pour gagner sa vie, elle propose des cours particuliers de français et rencontre Rinri, son premier et unique élève, un jeune Japonais avec lequel elle noue une relation intime. Entre surprises, bonheurs et déboires d’un choc culturel à la fois amusant et poétique, elle découvre un Japon qu’elle ne connaissait pas…”
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Tokyo Fiancée : Belgique/France/Canada, 2014, 84 min.; Dir./Scr.: Stefan Liberski (d’après le roman d’Amélie Nothomb); Ed.: Frédérique Broos; Phot.: Hichame Alaouie; Mus.: Casimir Liberski; Cast: Pauline Étienne, Taichi Inoue, Julie LeBreton.

« Stupeur et tremblements pourrait donner l’impression qu’au Japon, à l’âge adulte, j’ai seulement été la plus désastreuse des employés. Ni d’Ève ni d’Adam révélera qu’à la même époque et dans le même lieu, j’ai aussi été la fiancée d’un Tokyoïte très singulier. »
                         -Amélie Nothomb.

Ni d’Eve ni d’Adam, par Amélie Nothomb. Paris, Albin Michel, 2007. 252 p. 13.0 x 20.0 cm, 18.20 € / $11.95 Cnd. ISBN 9782226179647.

Tokyo Fiancée nous offre une intéressante réflexion sur la diversité culturelle, l’étrangeté de l’autre, et particulièrement sur la difficulté des couples mixtes à concilier cette différence qui les sépare.

Si le film en lui-même est assez bon, il est aussi une excellente adaptation du roman de Amélie Nothomb. Il y a bien sûr de nombreuses différences entre les deux (quelques scènes manquantes dans le film, la motivation des personnages expliquée plus en profondeur dans le roman) mais dans l’ensemble tout l’esprit du livre est présent dans le film. C’est non seulement agréable et divertissant à regarder mais aussi très intéressant.

Pour plus d’information vous pouvez consulter les sites suivants:

Cette histoire de couple, que ce soit dans le film ou le livre, est particulèrement intéressante lorsqu’on la remet dans le contexte de l’oeuvre (et de la vie) de l’auteur. Elle fait non seulement partie des titres de Nothomb qui sont en partie autobiographiques (mais ne le sont-ils pas tous un peu?) mais est également l’un des éléments de sa “trilogie japonaise”. Stupeur et tremblement raconte le retour de l’auteur au japon, où elle avait passé son enfance, mais traite surtout de ses mésaventures au sein d’une corporation japonaise et comment l’esprit collectif japonais du jeune travailleur y est façonné par des règles strictes et par l’humiliation afin de le conformer au modèle uniforme et docile auquel s’attend la société japonaise — ce qui est toujours pire dans le cas d’une femme. Dans Nostalgie Heureuse, l’auteur raconte son second retour au Japon dans le cadre d’un reportage tourné pour la télévision française. Ni d’Eve ni d’Adam lève le voile sur la partie de l’histoire à laquelle elle avait mainte fois fait allusion sans jamais donner de détails: la relation amoureuse qu’elle a entretenu au cours de son premier retour avec un jeune japonais.

Ayant grandit au Japon, elle s’était toujours considérée comme japonaise mais son expérience durant ce premier retour lui fera réaliser que la nature nippone est beaucoup plus complexe et profonde qu’elle ne se l’imaginait…

Le livre, quant à lui, offre une narration très fluide, parsemé de l’humour sarcastique et un peu déjanté si particulier à Nothomb. C’est une très bonne lecture (comme la plupart des Nothomb).

Pour plus d’information vous pouvez consulter les sites suivants:

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Ice Age chronicle of the earth, vol. 1 & 2

Vol. 1: “Dans le futur, document.write(“”); tandis que l’humanité tente tant bien que mal de survivre aux conséquences d’un nouvel âge glaciaire, Takéru va devoir se lancer dans une odyssée afin de sauver ses compagnons. À son bras, un bracelet sacré en argent, seul souvenir qui lui reste de sa mère…”
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“Saura-t-il faire face à son destin ?”

Vol. 2: “Dans le futur, alors que la fin de l’âge glaciaire se fait sentir, tous les êtres vivants se lancent dans une nouvelle course à l’évolution. Guidé par un Medishin, un Dieu bleu, Takéru devra affronter la Grande Mère pour résoudre le mystère A-D-O-L-F… Le destin de l’humanité pourrait en dépendre…”

Découvrez ce diptyque mythique et visionnaire signé Jirô Taniguchi !

(Texte du site de l’éditeur: Vol. 1 & Vol. 2; voir les couvertures arrières: Vol. 1 & Vol. 2)

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ATTENTION: Peut contenir des traces de “spoilers” (a.k.a. divulgacheurs)! Les personnes allergiques à toutes discussions d’une intrigue avant d’en avoir eux-même prit connaissance sont vivement conseillé de prendre les précautions nécessaires pour leur sécurité et devraient éviter de lire plus loin.

Comme je l’ai déjà dit quand j’ai découvert ce manga, les éditeurs de français (dans ce cas-ci Kana) continue à nous sortir des vieux Taniguchi qui date de l’époque où il faisait plus dans le récit d’action que dans le contemplatif. Et nous en sommes fort heureux!

Ice Age Chronicle of the Earth (?????? / Chiky? hy?kai-ji-ki) a d’abord été publié en feuilleton dans le magazine Morning de Kôdansha en 1987-88 avant d’être compiler en volumes chez Futabasha. Dans les années ’80, Taniguchi écrivait surtout des récits d’action comme Trouble Is My Business, Enemigo ou Garôden, ou des récits qui mettaient en scène la nature et les grands espaces tels que Blanco, K ou Encyclopédie des animaux de la préhistoire. Ice Age Chronicle of the Earth s’inscrit bien dans ces thématiques. Et, si l’on se fit à la bande de couverture de l’édition française ainsi qu’au style de Taniguchi pour ce diptyque visionnaire, c’est une époque où il devait sans doute lire et s’inspirer du magazine français Métal Hurlant

Dans un futur lointain, la Terre est entièrement soumise aux conditions d’un âge glaciaire: la 8e glaciation (glaciation de Murtok). Situé sur Nunatak, une île de l’Arctique, le site minier de Tarpa est exploité par la Régie pour le Développment des Ressources Shivr. Le fils rebel du président de la compagnie, Takéru, y a été exilé afin de le rendre plus mature. Lors d’un accident causé par de l’équipement vieillissant, le directeur de la mine est gravement blessé. Avant de mourir, il remet à Takéru une boite qui contient le bracelet sacré de sa défunte mère et un message de son père qui l’averti que des changements climatiques sans précédents sont sur le point de se produire. Takéru est nommé le nouveau directeur, mais il s’en fout. Toutefois, le cargo qui devait amené le ravitaillement et évacuer la plupart des travailleurs pour le dur hiver arctique est détruit lors d’une attaque de pirate. Un groupe de travailleurs décident d’évacuer quand même dans des navettes de secours mais ils crashent dès qu’ils sont sorti du puit de la mine à cause des vents violents. [ci-contre: p. 33]

Takéru organise une mission de sauvetage mais tout les passagers des navettes sont mort de froid sauf un, qui restera gravement handicapé. Et l’un des sauveteurs meurt dans un accident. Tarpa est maintenant coupé du reste du monde, sans ravitaillement. Takéru escalade donc à nouveau la paroi du puit de la mine afin d’aller investiguer ce qui arrive à la planète et ramener des secours. Mais le monde extérieur est un environnement glacial et hostile, peuplé d’insectes, de baleines et d’ours géants! Et ce ne sera pas les seules surprises: Takeru entrevoit dans une crevasse, le sarcophage d’un géant bleu! Grâce à une caravane de chameaux des glaces, ils échappent aux tournades et autres dangers de l’Inlandsis, et parviennent à un village. Là, une vieille chamane révèle à Takeru la prophétie: les Medishin, dieux géants bleus qui étaient venu les avertir de la longue saison de glace, se réveilleront pour les guider dans une nouvelle ère. Car “la Terre qui dormait sous la glace depuis des centaines de générations a commencé à ouvrir les yeux. Bientôt… Les montagnes, les forêts, les rivières se mettront en colère…” Les événements sont déjà en marche dans le sud. C’est là que Takéru doit se rendre !

Extraits des pages 15, 21 et 204 du premier volume

Takéru et son petit groupe tente de rejoindre la capitale, Abyss. Ils atteignent d’abord le dépôt logistique de surface Earliss II, où ils trouvent quelques survivants et un vieux cargo de transport aérien. L’ordinateur de la base confirme leur craintes: l’axe de rotation de la planète à changé, il y a une activité volcanique accrue, une hausse de gaz carbonique, un réchauffement de la température et donc une rapide fonte des glace. La période glaciaire est terminée! Les cendres d’une éruption volcanique endommagent les moteurs du cargo qui crash dans une gigantesque forêt vivante et carnivore! Ils continue leur voyage sur une rivière à l’aide d’un radeau de fortune, puis monte à bord d’un prospecteur robotisé. Ils apprennent que la capitale est inondée, envahit par la forêt, en ruine. L’océan végétal ne tarde pas à attaqué aussi leur véhicule, à l’aide d’une sève acide. Takéru ressent la conscience collective d’un arbre géant. Il se souviens avec horreur des êtres sans racines. Mais le dieu bleu apparait et calme l’arbre… Il révèle à Takéru que lui aussi a le pouvoir de communiquer avec la conscience de la planète.

En chemin vers Abyss, Takéru rencontre un transport de troupe écrasé avec de nombreux survivants, qui sont tous des enfants qui avaient été évacués en premiers. Toutes créatures vivantes, végétales ou animales, évoluent à un rythme fou, créant de nouveaux germes mortels. La forêt les attaque à nouveau, plein de haine contre l’humain mais Takéru réussi à la calmer. Pendant ce temps à Abyss, l’ordinateur central est devenu fou et se prend pour dieu, l’architecte d’un nouveau monde. Prenant exemple sur la nature, il utilise sa super-technologie pour créer une nouvelle race d’humain: A.D.O.L.F. (Acides aminés Dieldrine Opéron Ligand Flux cytométrique). Un nouvel ennemi qui tente d’éliminer l’humanité superflue. Mais en s’alliant avec la forêt, Takeru vaincra. Se sera l’aube d’une nouvelle ère où l’humanité, avec une conscience étendue, pourra cohabiter avec la nature…

Extraits des pages 13, 57 et 201 du second volume

Ice Age Chronicle of the Earth (sans blague, l’éditeur ne pouvait pas trouver un titre en français?), offre une bonne histoire de science-fiction cataclysmique, quoique un peu précipité vers la fin. Le style artistique du early-Taniguchi est bien (pas aussi bon que ses oeuvres plus récentes, bien sûr) mais souvent très inégal (on sent les délais de production liés à la prépublication en série dans les magazines!). J’ai aussi déjà noté plus haut qu’il me semblait discerner dans cette oeuvre de Taniguchi l’influence de la BD française de la bonne époque de Métal Hurlant (Moebius, Druillet) mais dans le second volume il me semble possiblement entrevoir dans les scènes cataclysmiques aussi quelques influences du Akira (1982-90) d’Otomo et du Nausicäa (1982-94) de Miyazaki

Dans l’ensemble c’est une très bonne lecture. Une sorte de fable écologique qui est toujours d’actualité. Ce n’est pas parfait mais, avec Taniguchi, un manga ne peut être qu’agréable. À lire.

Ice Age chronicle of the earth vol. 1 & 2, par Jirô TANIGUCHI. Paris: Dargaud (collection Kana: Made In), mai et septembre 2015. 272 & 224 pgs, 16.3 x 23.2 x 2 cm, 18.00 € / $31.95 Ca, ISBN: 9782505063643 & 9782505063650. Recommandé pour public adolescent (14+).

Pour plus d’information vous pouvez consulter les sites suivants:

Ice Age chronicle of the earth © 2002 Jirô TANIGUCHI. Édition française © 2015 Kana (Dargaud-Lombard s.a.).

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Animeland #209

AL209AnimeLand est le 1er magazine français sur l’animation japonaise et internationale, les mangas et tout l’univers otaku en France. News, chroniques, interviews, articles et dossiers vous attendent dans les magazines AnimeLand et AnimeLand X-tra et sur le site AnimeLand.com !”

Comme je l’ai déjà mentionné dans un article précédent (sur l’acquisition du magazine par Anime News Network), j’ai toujours grandement admiré ce magazine fondé par Yvan West Laurence et Cédrik Littardi en avril 1991 (que j’avais d’ailleurs rencontré à San Jose, Californie, lors de la toute première convention nord-américaine entièrement consacrée à l’anime, AnimeCon, à la fin de l’été 1991). AnimeLand est rapidement devenu le meilleurs magazine sur l’anime et le manga hors-Japon et pas seulement en langue française. À tout les deux mois le magazine offre une centaines de pages, toutes en couleurs, pleine à craquer d’information essentielle sur l’anime et le manga. Un must pour le fan averti.

AnimeLand #209 est un numéro un peu spécial car, en plus d’être un peu plus volumineux, il célèbre le vingt-cinquième anniversaire du magazine.

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Haikus par Soseki

“Si Sôseki le romancier est de longue date traduit et commenté chez nous, document.write(“”); une part plus secrète et à la fois plus familière de son œuvre nous est encore inconnue. Sôseki a écrit plus de 2500 haikus, de sa jeunesse aux dernières années de sa vie : moments de grâce, libérés de l’étouffante pression de la vie réelle, où l’esprit fait halte au seuil d’un poème, dans une intense plénitude.”
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“Affranchis de la question de leur qualité littéraire, ils ont à mes yeux une valeur inestimable, puisqu’ils sont pour moi le souvenir de la paix dans cœur… Simplement, je serais heureux si les sentiments qui m’habitaient alors et me faisaient vivre résonnaient, avec le moins de décalage possible, dans le cœur du lecteur.“

“Ce livre propose un choix de 135 haïkus, illustrés de peintures et calligraphies de l’auteur, précédés d’une préface par l’éditeur de ses Œuvres complètes au Japon.”

(Texte du site de l’éditeur; voir aussi la couverture arrière)

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J’ai déjà introduit le haiku quand j’ai commenté Cent sept haiku par Masaoka SHIKI, cet auteur même qui a encouragé S?seki à écrire et l’a initié aux haïkus. Né Kinnosuke Natsume à l’aube de l’ère Meiji, en 1867, il prendra le pseudonyme de «S?seki» en 1888 (utilisant les deux premiers charactères d’une expression chinoise attribuée à Liu Yiqing: ???? / shù dàn zh?n liú ou s?sekichinry? en japonais, littéralement «Se rincer la bouche avec une pierre et faire de la rivière son oreiller»). [ci-contre: p. 43]

Natsume S?seki (?? ??) deviendra l’un des auteur emblématique du Japon moderne. Après avoir étudié la littérature anglaise à l’Université de Tokyo, il part enseigner à Matsuyama (1895), puis à Kumamoto (1896), avant de passer trois ans d’études en Angleterre (1900-03) et de finalement succèder à Lafcadio Hearn à la chaire de littérature anglaise de l’université de Tokyo. Toutefois, il quitte ce poste en 1907 pour se consacrer à l’écriture. On lui connait plus d’une vingtaine d’ouvrages dont principalement Je suis un chat (??????? / Wagahai wa neko de aru, 1905), Botchan (?????, 1906), Sanshirô (???, 1909), Et puis (???? / Sorekara, 1909), La porte (? / Mon, 1910), et Choses dont je me souviens (??????? / Omoidasukoto nado, 1910-11). Son importance dans la littérature japonaise est soulignée par le fait que son portrait apparait sur le billet de 1 000 yens.

Haikus est un ouvrage assez simple qui se lit très rapidement. Les petits poèmes sont typiquement présenté trois par page, agrémentés de peintures et de calligraphies par S?seki. Dans mon commentaire de Cent sept haiku, j’ai déjà mentionné ma déception de ne pas ressentir la profondeur de la pensée ou des sentiments de l’auteur que l’on s’attendrait à retrouver dans cette forme de poésie. Il est toutefois intéressant d’essayer de comprendre ce que l’auteur désir exprimer. C’est un bel ouvrage et j’ai particulièrement apprécié les illustrations de l’auteur (ci-contre: p. 23) ainsi que la préface et les notes qui lévent un peu le voile sur les intensions et le parcours de S?seki.

Somme toute c’est une très bonne lecture de chevet et pas nécessairement que pour les amateurs de culture nippone ou de poésie.

Haikus, par S?seki (traduits par Elisabeth Suetsugu). Arles, Éditions Philippe Picquier, janvier 2002. 144 pages, 14.5 x 23.0 x 1.0 cm, 8,00 € / $32.95 Cnd, ISBN 2-8097-0125-8. Lectorat: pour tous!

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Solaris #198

Solaris est un périodique québécois de science-fiction et de fantastique qui s’inscrit dans une longue tradition.

Fondé en septembre 1974 par Norbert Spehner (un des grands anciens de la SFFQ), il a d’abord arboré le nom de Requiem, ce qui lui donnait un ton plus fantastique que sf. Avec le numéro 28 (aout-sept 1979) le nom change pour Solaris et Spehner (en grand calembourlingueur) ne donne pour seule justification que “parce que je LEM.” Le fardeau de la rédaction passe à Élisabeth Vornarburg avec le numéro 53 (automne 1983), puis à Luc Pomerleau avec le numéro 67 (mai-juin 1986). Si le zine passe à l’ère informatique avec le numéro 60 (mars-avril 1985), son apparence ne s’améliore qu’avec le numéro 73 (mai-juin 1987) et il ne prendra vraiment une allure de pro-zine qu’avec le numéro 87 (oct 1989, spécial 15e anniversaire). La rédaction passe finalement à Joël Champetier avec le numéro 100 (printemps 1992) et il occupera le poste jusqu’à peu de temps avant sa mort en mai 2015. Pascal Raud l’assistera en temps que coordonatrice dès le numéro 181 (Hiver 2012 — et assurera ensuite l’interim durant sa maladie). Sous l’égide des ÉditionsAlire, Solaris prends un format livre de poche (13.5 x 21 cm) avec le numéro 134 (Été 2000). Il se concentre alors sur l’aspect littéraire: le volet BD disparait et la chronique “Sci-néma” déménage sur le site internet de la revue (cette dernière chronique reviendra cependant dans les pages de Solaris avec le numéro 185 en Hiver 2013). Depuis le numéro 196 (Automne 2015) la coordination des revues (Solaris et Alibi, son pendant polar) est maintenant assuré par Jonathan Reynolds.

La magazine offre une double détente: d’une part c’est une anthologie permanente des littératures de l’imaginaire francophone qui nous permet, par ses courtes nouvelles, de se tenir à jour dans les courants littéraires de genres et, d’autre part, par ses brillants articles et critiques (je préfère toutefois parler de “commentaires de lecture”), d’y trouver de nombreuses suggestions de lectures pour nous divertir et nous inspirer encore plus.

Le numéro 198 (Printemps 2016) nous offre cinq nouvelles dont les quatre premières partagent la thématique des “femmes étranges”:

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  • “K**l Me, I’m Famous” par Éric Holstein: un journaliste de la scène rock découvre une créature mythique au sein d’un groupe punk. stars-3-5
  • “Le Choix des âmes” par Daniel Birnbaum: derrière chaque grand scientifique il y a une femme prète à se sacrifier pour la science. stars-3-0
  • “Elle” par Jérémie Bourdages-Duclot: un étudiant membre d’une équipe de football collégiale réputée est obscédé par le sexe. Fasciné par une belle femme qu’il a croisé semble-t-il par hasard, il découvrira qu’il y a des prédateurs plus féroce que lui… stars-3-5
  • “Prestance” par Samuel Lapierre: un veuf tombe amoureux d’un mannequin-robot dans la vitrine d’une boutique de mode. Sa perversion le mènera à la ruine. stars-3-0

La cinquième nouvelle, “Tempus fugit” par Mario Tessier, est un texte à part. C’est une intéressante histoire de hard-science mais trop succincte et qui demeure tout de même un peu décevante pour ceux qui connaisse cet auteur. Il évoque un peu la SF classique des débuts d’Asimov. Le récit est un peu précipité et fourni simplement le prétexte pour décrire un organisme extra-terrestre cristalo-végétal quasi immortel. En fait, la nouvelle sert surtout d’introduction à l’article du “Futurible” qui lui fait suite. stars-2-5

Dans ce numéro, “Les Carnets du Futurible” (publié dans Solaris de façon quasi-ininterrompue depuis le numéro 153 — sauf dans le numéro 172 à l’Automne 2009 — ce qui fait de cet article le quarante-cinquième épisode de la série) est consacrés aux plus vieux organismes vivants. Comme le sont toujours les articles des “Carnets du Futurible”, cet article est tout à fait fascinant.

L’article suivant est tout aussi intéressant. Il s’agit de la traduction de la première partie d’un article de Jonathan McCalmont (originalement publié en anglais sur son blog Ruthless Culture). Intitulé “Lacheté, paresse et ironie: comment la science-fiction a perdu le futur” l’article se questionne sur les causes de l’épuisement du genre en prenant comme point de départ des commentaires du critique Paul Kincaid. Est-ce que cela a à voir avec le fait que le monde change si vite que les auteurs de SF n’essaient même plus de prédire l’avenir dans leurs histoires? Ou est-ce lié au brouillage délibéré (et bizarre) entre les différents genres? Ou au fait que de plus en plus des auteurs dits “mainstream” empiètent sur les littératures de l’imaginaire?

Christian Sauvé nous offre une fois de plus une excellente chronique “Sci-néma” où il traite de films sur la post-humanité (robots & A.I.) tels que Terminator: Genisys, Big Hero 6, Transcendence, Chappie et Ex Machina. Il note également que la hard science, jusqu’alors pratiquement absente du grand écran, commence a y être une thématique de plus en plus fréquente et il cite The Martians en exemple. Il ajoute que, ces derniers temps, les films de fantasy à grands budgets font piètre figure (City of Bones, Seventh Son, et Winter’s Tale) mais que les films d’horreur innovent (Horns, Unfriended, It Follows).

La chronique des “Littéranautes” offre des commentaires de lecture sur la littérature de l’imaginaire québécoise: Les Clowns vengeurs: Allégeances (par Nadine Bertholet et Isabelle Lauzon, chez Porte-Bonheur), Écorché (par Ariane Gélinas, Pierre-Luc Laurence et Jonathan Reynolds, chez La Maison des viscères), et La Peau du Mal (par Corinne De Vailly, chez Recto-Verso).

Finalement, Solaris se conclu avec la chroniques des “lectures” qui commente le reste: L’Héritage des Rois-Passeurs (par Manon Fargetton, chez Bragelonne), Hamlet au paradis (par Jo Walton, chez Denoël), La Santé par les plantes (par Francis Mizo, chez ActuSF), Dimension merveilleux scientifique (une anthologie compilée par Jean-Guillaume Lanuque, chez Rivière Blanche), Zombie Nostalgie (par Øystein Stene, chez Actes Sud), Frankenstein (par Michel Faucheux, chez L’Archipel), Fond d’écran: nouvelles et textes courts (par Terry Pratchett, chez Atalante), Au-delà du Réel: L’Avenir du Futur (par Didier Liardet, chez Yris), et Feuillets de cuivre (par Fabien Clavet, chez ActuSF). Personnellement, je préfère quand les commentaires de lecture ont une appréciation quantifiée (système de points ou d’étoiles), mais je crois qu’ici c’est une décision éditoriale de ne pas en avoir.

C’est bien d’avoir des chroniques qui ne traitent pas seulement de l’aspect littéraire de la science-fiction. Mais en plus du cinéma, ce serait intéressant d’avoir aussi une petite chronique BD (cela fait des eons qu’il n’y en pas eu dans Solaris).

Malgré que son attrait principal demeure l’aspect anthologique, je dois avouer que je lis Solaris surtout pour ses excellents articles. Avec une telle diversité, tous les lecteurs y trouveront certainement leur intérêt. À lire.

Solaris #198 — Printemps 2016, Vol. 41, no 4 [Collectif dirigé par Jean Pettigrew, Pascale Raud, Daniel Sernine, Élisabeth Vonarburg, et coordonné par Jonathan Reynold]. Lévis, Publications bénévoles des littératures de l’imaginaire du Québec, avril 2016. 160 p. $12.95. ISSN 0709-8863. Abonnement d’un an: $40.00 (Canada), $35.00 (USA) et $63.00 (autres). stars-3-5

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Cent Sept Haiku

“Considéré comme « le père du haïku moderne », document.write(“”); Masaoka Shiki (1867-1902) – à qui l’on doit l’adoption définitive du terme – fut le grand défenseur de cette forme majeure de la poésie japonaise qu’il s’attacha à transmettre en fondant une école et une revue littéraire.”
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“En dépit de la brièveté de sa vie, son œuvre figure parmi celles des derniers maîtres de la grande tradition.“

Quelle solitude!
après le feu d’artifice —
l’étoile filante

(Texte du
site de l’éditeur; voir aussi la couverture arrière)

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Fils de samurai, Tsunenori Masaoka est né en 1867. À la fin de ses études de littérature à Tokyo, il prends le pseudonyme de Shiki (?? / Petit Coucou). Journaliste, il fonde la revue littéraire Hototogisu et publie plusieurs études critiques (notamment sur Bash?) et traités théoriques de poésie. Il meurt de tuberculose en 1902 à l’âge de 35 ans. Il a contribué à forger les formes modernes du tanka (issue du waka, un poème de cinq vers de 5-7-5-7-7 syllables) et du haiku. Il aurait composé près de 25,000 haiku et est considéré comme le père moderne du genre.

Le haiku [??] est issue du tanka, un poème de 31 mores (ou syllables) composé d’un tercet de 17 syllabes (5-7-5), appelé hokku [?? / “vers du début”], et d’un distique de 14 syllabes (7-7). Bash? ne conserva du tanka que la première partie, le hokku, pour en faire un haïkaï (??) et Shiki, qui en modernisa l’esprit, adopta définitivement le nom de haiku, formé par la contraction de haikai no hokku (“les premiers vers du haikai”).

Le haiku est donc un court poème (récité, et non chanté comme le tanka) qui doit “célébrer l’évanescence des choses”, contenir une “notion de saison (le kigo) et comporter une césure (le kireji)”. Le haiku ne doit pas être descriptif: c’est une sorte d’instantané qui fige avec spontanéité, concision et subtilité l’expression d’une sensation ou d’une émotion passagère souvent liée à l’observation de la nature. Bien sûr, il existe plusieurs tendances de haiku (zen, urbain, engagé, etc.) et les règles ne sont pas toujours respectées, particulièrement dans le cas d’une traduction (ou d’un haiku composé dans une langue étrangère) où il est difficile de conserver la métrique. L’important est d’en conserver l’esprit: trois lignes poétiques (qui ne riment pas et ne forment pas une longue phrase fluide mais plutôt des énoncés minimalistes — sans articles et avec une conjugaison simplifiée — séparés d’au moins une pause.

Cent sept haiku nous offre une sélection de haiku par Shiki. L’ouvrage n’a aucune préface mais heureusement se termine avec quelques notes explicatives. Chacun des haiku est présenté sur une page, avec le texte original japonais (en kanji et r?maji) et la traduction française. C’est très rapide à lire, quoiqu’il est nécessaire de relire chacun des haiku deux ou trois fois afin de bien en saisir le sens.

Certain seront sans doute déçu de ne pas découvrir dans ces haiku une grande profondeur philosophique. Pour ma part, j’ai trouvé difficile de ressentir la sensation ou l’émotion que l’auteur a voulu exprimer. Néanmoins, il est beaucoup plus facile de percevoir la scène qu’il décrit. Si l’on se plonge dans cette image paisible, on peut atteindre une certaine sérénité. Et c’est sans doute là que réside la beauté du haiku.

Cent sept haiku constitue donc une excellente introduction à ce genre de poésie japonaise qui connait une popularité croissante.

Cent sept haiku, par Masaoka SHIKI (traduits par Joan Titus-Carmel). Lagrasse, Éditions Verdier, août 2002. 120 pages, 0.9 x 14.5 x 22.0 cm, 14,70 € / $27.95 Cnd, ISBN 978-2-86432-360-0. Édition bilingue (Japonais / Français). Lectorat: pour tous!

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Cesare (11)

Cesare_11-cov“C’est à l’abbaye de Fiesole que Giovanni reçoit ses insignes cardinalices avant de rejoindre Florence, où une foule joyeuse brave la pluie pour venir l’acclamer. Mais Lorenzo, qui attendait pourtant ce jour avec impatience, n’assiste pas au spectacle : cloué au lit, rongé par la maladie, il observe d’un œil inquiet les agissements de son fils Piero, grisé par le succès de son cadet.”

“L’heure est donc venue pour chacun de quitter les bancs de l’université et de suivre son propre chemin. Tandis que Cesare s’emploie à soutenir son père depuis Pise, Angelo, lui, part pour Rome afin d’assister le jeune Médicis dans ses débuts à la Curie…”

“Fuyumi Soryo lève le voile sur le destin hors du commun de l’énigmatique Cesare Borgia dans un manga d’une richesse historique rare, tout simplement passionnant.”

[ Texte de la couverture arrière ]

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Joséphine Impératrice (4)

“Pour permettre à Napoléon d’accéder à la gloire, document.write(“”); Agathon devient officier de son état major. Il manque d’y perdre la vie, mais le jour tant attendu du couronnement arrive enfin. Mais, que réserve l’avenir au couple le plus célèbre de l’histoire ?”
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“La dernière partie des aventures de Joséphine, la célèbre épouse de Napoléon!”

[ Texte du site de l’éditeur; voir aussi la couverture arrière ]

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ATTENTION: Peut contenir des traces de “spoilers”! Les personnes allergiques à toutes discussions d’une intrigue avant d’en avoir elle-même prit connaissance sont vivement conseillé de prendre les précautions nécessaires pour leur sécurité et ne devraient poursuivre qu’avec circonspection.

Joséphine Impératrice (?????????? / Bara no Josephine / lit. “Les roses de Joséphine”) est un manga sh?jo romantique et historique écrit par Kaoru Ochiai et illustré par Yumiko Igarashi. Prépublié en feuilletons dans Princess Gold, le magazine mensuel sh?jo de Akita Shoten, entre septembre 2011 et décembre 2013, il a été compilé en un premier volume en mai 2012 et le quatrième (et dernier) volume est paru en avril 2014. Il a été traduit en français chez Pika Éditions au début octobre 2013. Un second volume a suivi à la fin octobre, puis un troisième en mars 2014 et, finalement, le quatrième volume français est paru en juillet 2014. Voir mon commentaire sur le premier volume pour plus de détails sur l’auteur et la série.

Le 9 mars 1796, Napoléon épousa Joséphine, au cours d’un mariage modeste à la mairie de Paris. Toutefois, comme Napoléon était en retard à cause d’une réunion d’état-major, le maire s’impatientât et quitta, ce qui fait que la cérémonie fut officié par l’adjoint du maire. De plus, Napoléon et Joséphine n’inscrivent même pas leur véritable dates de naissance (elle pour se rajeunir et lui pour se vieillir!). Deux jours plus tard, Napoléon et Agathon quittent pour faire campagne en Italie afin de libérer la Lombardie et le Piémont de l’occupation autrichienne. Agathon, en fin stratège, se fait accompagné d’un journaliste et d’un dessinateur qui rapporteront dans un journal parisien tout les faits et gestes de Napoléon en les présentant sous un jour favorable. En agissant ainsi Agathon espère se faire l’architecte de la gloire de Napoléon. Pendant ce temps, Joséphine est la coqueluche des salon parisiens et gagne le coeur tant du peuple que de la haute société [ci-haut: page 49].

Napoléon écrit régulièrement à Joséphine et lui envoie des trésors d’or et d’art provenant des tributs et du pillage de sa campagne. Toutefois, celle-ci ne lui répond pas ce qui inquiète le général et le distrait de son devoir militaire. Les conseillers du directoire et Agathon trouvent une solution en convainquant Joséphine de rejoindre Napoléon en Italie. Elle s’installe au palais Serbelloni de Milan. Il peut alors se consacrer au siège de Mantoue, où les Autrichiens résistent toujours. Avant leur départ, Joséphine remet à Napoléon et Agathon un foulard porte-chance. Mais Pauline, la soeur de Napoléon, voit Joséphine sortir de la chambre d’Agathon et assume qu’ils ont une liaison. Elle écrit donc une lettre pour en avertir son frère. Les relations de Joséphine avec sa belle-famille sont à leur pire et la mère de Napoléon jure de les séparer.

Jaloux de l’intimité dont Agathon jouit avec Joséphine, Napoléon l’envoi au front en tant que porte-étendard lors de la bataille du pont d’Arcole, espérant qu’il périsse. Quoiqu’il change d’avis, Agathon, pour protéger le général, ne lui laisse pas prendre l’étendard et est gravement blessé. Bien sûr, la propagande fera que l’histoire se souviendra que c’est Napoléon lui-même qui portait l’étendard. Dans son délire, Agathon murmure qu’il aura une mort digne et que Joséphine n’aura pas a rougir de son petit-frère. Bonaparte comprend alors son erreur: Agathon est le demi-frère de Joséphine ce qui explique l’affection qu’ils partagent! Lorsqu’Agathon se réveille, Eugène est a son chevet. Il a maintenant rejoint l’armée comme membre de l’état-major de Napoléon.

Après la bataille de Rivoli, le siège de Mantoue prends fin lorsque la ville capitule. Emporté dans son élan, Napoléon poursuit son offensive vers Vienne et obtient un traité de paix avec les Autrichiens. Il est de retour à Paris en décembre 1797 mais, six mois plus tard, comme l’Angleterre demeure en guerre, il repart faire campagne, cette fois en Égypte, afin de de couper le contact entre les anglais et leur riche colonie de l’Inde. Mais suite à l’incompétence du Directoire la marine française est anéanti par Nelson et Napoléon se retrouve isolé, sans ravitaillement, abandonné en Egypte. Pour faire face à une deuxième coalition et à la monté des mouvements royalistes contre-révolutionnaires, Bonaparte n’a pas le choix: il ignore ses ordres, fuit l’Égypte et rentre à Paris avec ce qu’il lui reste de troupe afin de renverser le Directoire grâce à son large support populaire! Le Directoire est dissous en décembre 1799 et Napoléon devint le premier consul de la République.


Napoléon achète pour Joséphine le chateau de Malmaison. Il commence alors son oeuvre politique pour consolider l’État et la société française: il signe des traités de paix avec le membres de la coalition, particulièrement avec l’Angleterre, il réconcilie la France et le Saint-Siège, publie le Code Civil, etc. Après plusieurs complots et attentats il doit réprimer l’opposition. Finalement, en 1804, à la demande du Sénat et avec l’approbation du peuple par plébiscite, Napoléon est nommé Empereur des français. Comme leur premier mariage civil n’était pas vraiment valide, Napoléon et Joséphine sont marié religieusement par le Cardinal Fesch. Napoléon peut alors, sans entrave, être sacré Empereur [ci-haut: pages 152-153].

En mars 1805, Napoléon est également sacré roi d’Italie et monsieur Eugène (fils de Joséphine) est nommé vice-roi (et sera également marié à la princesse Augusta-Amélie de Bavière). Napoléon nomme son frère, Louis (qui a marié le fille de Joséphine, Hortense), roi de Hollande. Son fils Charles est l’héritier en titre de Napoléon, mais sa mort prématuré, à l’âge de quatre ans, remet toute la succession en question. Sous la pression de sa mère, le cabinet demande à Napoléon de divorcer Joséphine afin d’épouser une princesse plus jeune et avoir un successeur pour garantir la sécurité et la stabilité de l’Empire. Napoléon résiste mais c’est Joséphine elle-même qui l’en convainc [ci-contre: page 168]. Elle conservera son titre d’impératrice et se retirera à Malmaison pour cultiver des roses (plus de 250 espèces — d’où le titre Japonais original du manga, Les roses de Joséphine) et des plantes exotiques du monde entier.

Napoléon épousera Marie-Louise d’Autriche, qui lui donna un fils, Napoléon II, qui ne règne jamais sur la France. Après son divorce, la chance de Napoléon tourne: une nouvelle coalition contre la France l’amène à une désastreuse campagne de Russie en 1812. Défait, Napoléon doit abdiquer et est exilé sur l’Île d’Elbe. La monarchie est brièvement restaurée.

Lors d’une visite du tsar Alexandre Ier à Malmaison Joséphine a un malaise (en fait, elle prend froid et attrape une pneumonie) et meurt peu de temps après (mai 1814). Ses dernières paroles furent pour Bonaparte. Après s’être échappé d’Elbe en mars 1815, Napoléon revint à Malmaison et pleura dans la chambre de Joséphine. Après un bref retour au pouvoir et sa défaite à Waterloo, Napoléon sera exilé à nouveau, cette fois sur l’Île Sainte-Hélène où il meurt en mai 1821. Ses dernières paroles auraient été pour Joséphine. Ils auront été amant jusqu’au bout…

Je dois avouer que la lecture de Joséphine Impératrice est une excellente façon de rafraîchir (très brièvement) ses connaissances sur l’Histoire de France. Et, dans l’ensemble, cette série est un magnifique exemple (par le thème mais surtout par son superbe style graphique) de manga sh?jo. Toutefois, ce volume en particulier est un peu moins intéressant, car le récit est un peu précipité vers la fin. De plus, la véracité du détails des événements historiques (quoique l’essentiel est vrai il faut dire), des motivations des protagonistes ainsi que la caractérisation des personnages (je doute sérieusement que Joséphine ait accepté le divorce aussi gracieusement!) est plutôt suspect. Quoiqu’il en soit c’est une lecture agréable qui nous offre un très bon manga romantique et historique. A lire absolument!

Joséphine Impératrice, vol. 4, écrit par Kaoru Ochiai et illustré par Rumiko Igarashi. Boulogne: Pika Éditions, juillet 2014. 192 pgs, N&B, 11.5 x 18.0 x 1.4 cm, 7,50 € / $12.95 Can, ISBN  978-2-8116-1523-9. Sens de lecture japonais. Recommandé pour adolescents (12+).
Pour plus d’information vous pouvez consulter les sites suivants:

Voir aussi mes commentaires sur les volumes précédents:
Bara no Josephine © Kaoru OCHIAI / Yumiko IGARASHI / Visions 2014 / AKITA SHOTEN.

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Joséphine Impératrice (3)

“Après la mort de Robespierre et la fin de la Terreur, document.write(“”); Joséphine peut enfin sortir de prison. Elle se retrouve alors propulsée dans la vie mondaine parisienne, et très vite, devient le centre de gravité de l’un des grands salons de la capitale, où elle reçoit des hôtes prestigieux. Un jour, se présente un petit général, le jeune et timide Napoleone di Buonaparte, appelé à un grand avenir. Joséphine saura-t-elle découvrir le coeur d’or qui se cache derrière ces manières un peu brusques ?”
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“La vie tumultueuse et passionnée de Joséphine de Beauharnais, qui devint la femme de Napoléon et l’impératrice des Français !”

[ Texte du site de l’éditeur et de la couverture arrière ]

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ATTENTION: Peut contenir des traces de “spoilers”! Les personnes allergiques à toutes discussions d’une intrigue avant d’en avoir elle-même prit connaissance sont vivement conseillé de prendre les précautions nécessaires pour leur sécurité et ne devraient poursuivre qu’avec circonspection.

Joséphine Impératrice (?????????? / Bara no Josephine / lit. “Les roses de Joséphine”) est un manga sh?jo romantique et historique écrit par Kaoru Ochiai et illustré par Yumiko Igarashi. Prépublié en feuilletons dans Princess Gold, le magazine mensuel sh?jo de Akita Shoten, entre septembre 2011 et décembre 2013, il a été compilé en un premier volume en mai 2012 et le quatrième (et dernier) volume est paru en avril 2014. Il a été traduit en français chez Pika Éditions au début octobre 2013. Un second volume a suivi à la fin octobre, puis un troisième en mars 2014 et, finalement, le quatrième volume français est paru en juillet 2014. Voir mon commentaire sur le premier volume pour plus de détails sur l’auteur et la série.

Rose a été arrêté simplement parce qu’elle est l’épouse d’Alexandre de Beauharnais, qui a été exécuté sous l’accusation d’être un traître. Agathon, le domestique et demi-frère de Rose, tente le tout pour le tout pour la faire libérer en assassinant Robespierre. Au même moment les députés de la Convention font arrêter les Jacobins dans l’espoir de mettre fin à la Terreur par la terreur! Ainsi, le 29 juillet 1794, Saint-Just et dix-neuf de ses compagnons furent exécutés. Dans les jours qui suivirent près d’une centaine de partisans Jacobins furent aussi guillotinés! Peu de temps après, Rose est finalement libéré et Agathon l’attend à sa sortie de prison. Elle retrouve rapidement la vie mondaine parisienne et s’épanouie à la “chaumière,” le salon de sa compagne de captivité, Thérésia Cabarrus, qui est devenu l’épouse de Tallien. C’est là qu’elle attire l’attention du timide et maladroit Napoleone di Buonaparte. [ci-haut: p. 46]

Agathon voudrait bien servir Rose de son mieux mais se sent plutôt inutile. Comme ils n’ont pas vraiment de revenu, Agathon cherche un moyen de gagner de l’argent. Avec la complicité du négociant Charles Tustier, que Rose avait rencontrer lors de son voyage en Martinique, Agathon fera le commerce du thé indien (interdit en France à cause de la guerre avec l’Angleterre, il est apporté au pays en contrebande par des navires anglais).

Napoleone di Buonaparte s’illustre avec la répression de l’insurrection de Vendémiaire. Il n’hésite pas à utiliser des canons en plein Paris contre les royalistes. Acclamé comme un héros, il est nommé commandant en chef des armées révolutionnaires à la place de Barras. Il vient en aide à Eugène, le fils de Rose, qui désire conserver le sabre de son père alors que toutes les armes sont interdites dans Paris suite à l’insurrection. Rose vient le remercier et Napoleone en tombe amoureux. Il demande l’aide d’Agathon pour lui faire la cour [ci-dessous: pp. 92-93].


Napoleone découvre que Agathon est derrière la contrebande de thé et le défi en duel mais, voyant comment il est dévoué au service de Rose, décide de l’épargner. Agathon lui suggère d’amener Rose en ballade à l’extérieur de Paris. Le couple se rapproche et finalement Napoleone demande Rose en mariage. Rose, trouvant son nom trop Italien, surnomme le Général “Napoléon”. Celui-ci veut aussi lui donner un nom que lui seul emploierait et ainsi Marie-Josèphe-Rose de Beauharnois devient “Joséphine”! [ci-contre: p. 134] Mais Hortense, la fille de Rose, s’oppose à cette union et fugue de la maison. Agathon et Napoléon la retrouve et parviennent à la faire changer d’avis.

Les monarchies voisines, craignant que la révolution soit contagieuse, forment une coalition contre la France. Bonaparte est nommé Commandant Général de l’armée d’Italie. Agathon se joint à son état-major en tant que conseillé stratégique. Rose fait la rencontre de la mère (Maria Letizia), du frère (Louis) et des soeurs (Pauline et Caroline) de Napoléon. Ils sont plutôt désagréables et mesquins mais Rose réussi tout de même à les charmer. Deux jours avant son départ pour la campagne d’Italie, le 9 mars 1796, Joséphine et Napoléon se marient à la mairie de Paris au cours d’une cérémonie modeste.

Joséphine Impératrice est un beau manga historique mais qui prends tout de même beaucoup de liberté avec l’Histoire. Par exemple, Robespierre n’est pas mort assassiné mais plutôt guillotiné le 28 juillet 1794. Ce manga n’a certes pas le sérieux de Cesare, qui offre dans chaque volume une bibliographie et plusieurs pages de notes historiques sur les événements, l’architecture ou les artistes présent dans le récit. C’est avant tout un manga romantique présenté dans un contexte historique qui se veut plus ou moins exacte mais sans faire trop d’effort. C’est un beau petit récit, très agréable à lire et dessiné dans un superbe style shojo, très typique du genre (sur ce sujet voir mon commentaire sur le deuxième volume). Juste pour cet aspect, c’est un manga qu’il faut lire absolument!

Joséphine Impératrice, vol. 3, écrit par Kaoru Ochiai et illustré par Yumiko Igarashi. Boulogne, Pika Éditions, mars 2014. 192 pages, N & B, 11.5 x 18.0 x 1.4 cm, 7,50 € / $12.95 Can, ISBN  978-2-8116-1395-2. Sens de lecture original japonais. Recommandé pour adolescents (12+).

Pour plus d’information vous pouvez consulter les sites suivants:

Voir aussi mes commentaires sur les volumes précédents:

Bara no Josephine © Yumiko Igarashi & Kaoru Ochiai / Visions 2013. All rights reserved. © 2014 Pika Éditions pour la présente édition française.

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Cesare (10)

Cesare_10-cov“Tout Pise est en effervescence : Giovanni de Médicis s’apprête à passer son grand oral, ultime étape qui le sépare de la fin de ses études et surtout de son accession au rang de cardinal…”

“Mais sa réussite n’aura pas seulement des conséquences politiques. À la suggestion de Cesare, Angelo se prépare à partir pour Florence, où il est destiné à devenir le nouvel homme de confiance de Son Excellence. L’avenir des Borgia, des Médicis et de la papauté même repose désormais sur les épaules de Giovanni !”

“Fuyumi Soryo lève le voile sur le destin hors du commun de l’énigmatique Cesare Borgia dans un manga d’une richesse historique rare, tout simplement passionnant.”

[ Texte de la couverture arrière ]

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Cesare (9)

Cesare_9-cov“Cesare a désormais conscience que le fragile équilibre sur lequel repose la péninsule italienne pourrait bien voler en éclats : Lorenzo de Médicis est rongé par la maladie, tandis qu’un discours dissident, porté notamment par le charismatique Savonarole, commence à prendre de l’ampleur au cœur même de Florence.”

“Dans ces circonstances, les révélations de Raffaele Riario, qui vient d’annoncer que Naples avait trahi ses alliés pour se tourner vers la curie, font l’effet d’un coup de tonnerre. D’autant que c’est l’ennemi juré des Borgia, Giuliano della Rovere, qui est à l’origine de ce revirement ! Alors que le rideau se lève sur 1492, année qui va marquer l’histoire, les ambitions de chacun sont sur le point de faire basculer l’ordre du monde…”

“Fuyumi Soryo lève le voile sur le destin hors du commun de l’énigmatique Cesare Borgia dans un manga d’une richesse historique rare, tout simplement passionnant.”

[ Texte de la couverture arrière ]

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La couleur du Jazz

La semaine dernière j’ai visité l’exposition “La couleur du Jazz” au Musée des Beaux Arts de Montréal. Cette exposition nous propose de vivre la modernité des années 1920 à Montréal avec le groupe de Beaver Hall. Il s’agit de la première grande étude sur ce “regroupement éphémère d’une vingtaine d’artistes dont la production a donné, document.write(“”); comme le soulignait la critique de l’époque, « une nouvelle impulsion » à la vie artistique montréalaise, québécoise et canadienne”.
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Le
Groupe de Beaver Hall est en quelque sort le pendant montréalais au Groupe des Sept qui était basé à Toronto. Et plutôt que de se limiter à “proposer une image identitaire du Canada à travers la représentation de la nature sauvage du Nord” comme le faisait le Groupe des Sept, le Groupe de Beaver Hall exprime la modernité de l’époque à travers des portraits et les paysages humanisés de la ville et de la campagne. Le groupe a eut une existence très courte (1920-1923) mais ses membres ont continué par la suite leur travail individuellement et contribué à la formation du Groupe des peintres canadiens en 1933. L’exposition couvre toute cette période.

Ce qui est remarquable dans ce groupe ce n’est pas tant qu’il “constitue l’une des manifestations les plus originales de la modernité picturale au Canada“ mais bien la parité hommes-femmes au sein des membres du groupe qui dénote encore une fois la grande modernité de ce courant artistique. Pour plus de détails sur le contexte historique et les thématiques de l’exposition vous pouvez consulter le site internet que le musée y consacre.

J’ai bien aimé l’exposition. Il y a de très belle pièces et c’est rafraichissant de voir que des artistes montréalais ont pu avoir un tel impact (et d’en apprendre plus sur eux). Les portraits sont fascinants (certains détails, comme les mains, sont parfois très réaliste). On retrouve beaucoup de paysages hivernaux (après tout c’est le Canada). Les paysages urbains (dont le style varie beaucoup d’un artiste à l’autre, allant du réalisme détaillé et précis au quasi impressionnisme) nous font presque voyager dans le temps (Archambault sur la rue Sainte-Catherine, l’Église Saint-Jacques [qui a passé au feu et a été “cannibalisé” par l’UQAM] sur Saint-Denis, etc.).

J’ai toutefois trouvé l’exposition un peu courte et j’aurais bien aimé y voir une peu plus de média (photos des artistes, petits documentaires videos, etc. — il existe d’ailleurs un film de l’ONF sur trois des membres féminins du groupe). J’ai aussi trouvé que le titre de l’exposition ne se retrouvait pas vraiment dans la sujet. Oui, le jazz représente bien la modernité de l’époque et on a reproché aux membres du groupe de faire des oeuvres trop colorées qui furent à l’époque comparées aux notes dissonantes du jazz. Mais l’analogie s’arrête là. Une petite musique de fond jazzée aurait aussi sans doute contribué à donner plus de couleur à l’atmosphère de l’exposition.

En souvenir de cette exposition, je vous offre sur Vimeo (et ci-bas) un petit diaporama des oeuvres qui m’ont le plus marqué. J’ai aussi créé un album sur Flickr (avec le détail de chacune des pièces).


Vous trouverez également sur Youtube quelques courts videos sur l’exposition.

Si ça vous intéresse, dépêchez-vous car l’exposition prends fin le 31 janvier!

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Chattitudes

Comment décoder le comportement de son chat en 100 situations clés dessinées, document.write(“”); type BD, via des dessins à la fois tendres, drôles et très explicites.”
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“Sayo Koizumi nous fait partager avec humour et un grand sens de l’observation 100 moments complices qui en disent long sur le tempérament de chats: comment ils nous disent bonjour, leurs jeux préférés, ce qu’ils expriment quand ils remuent la queue, pourquoi ils dorment tant et dans des postures incroyables…”

Chôjiro, grand frère et Raku la petite soeur, sont les deux chats adorés de Sayo Koizumi, une illustratrice vivant à Tokyo. Comme tous les chats du monde, ils ont leurs habitudes, leurs petits défauts, leur language, leurs mystères…”

“Illustré de dessins poétiques et charmants, ce joli guide célèbre avec tendresse les petits bonheurs d’une vie sous le signe du plus adorable des félins: le chat.“

(Texte du site de l’éditeur et de la couverture arrière)

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Chattitudes: Ce que me dit mon chat par Sayo Koizumi a originalement été publié au Japon en septembre 2012 sous le titre ???????????! ?????????100 (Motto neko to nakayoku narou! Daisukina neko no himitsu 100 / lit. “Pour devenir amis avec plus de chat! Les 100 secrets de votre chat favoris”) par l’éditeur Media Factory, une filiale de Kadokawa (ISBN: 978-4840148092, ? 1,296). Il a été suivi d’un second volume en octobre 2013 intitulé ??????????????????100 (Zûtto neko to asobou! Neko to no o tanoshimi 100 / lit. “Jouons tout le temps avec les chats! Les 100 plaisirs du chat!”). Le premier volume a été traduit et adapté en français par Marcia Nishio pour être publié par Larousse en février 2015.

Sayo Koizumi est une illustratrice professionnelle qui adore les chats et les utilisent depuis une vingtaine d’années dans son travail. Elle s’est inspirée de ses deux chats, Chôjiro et Raku, pour concevoir cet ouvrage.

Ce guide très kawaii (“mignon” en japonais) a pour but de nous faire découvrir des tas d’information nouvelles sur les chats pour nous les rendre plus familier et enrichir nos relations avec eux. Le guide offre cent information ou faits concernant les chats et est divisé en cinq chapitres. Dans l’introduction (info # 1 à 9), “C’est bien vrai que les chats sont comme ça!”, on présente les différentes races de chats, dit que le chats on l’air démoniaques quand ils bâillent, qu’ils n’aiment pas les voix graves, etc. Dans le chapitre 1 (info # 10 à 20), “Comprendre ce que ressentent les chats”, on y apprend pourquoi les chats aiment se mettre la tête dans les sacs, qu’ils disent bonjour en nous sentant les doigts, qu’ils font des bisous en se collant les truffes, etc., et on donne quelques conseils pour prendre de belles photos de chats. Dans le chapitre 2 (info # 21 à 36, “Petit bric-à-brac de connaissances sur les chats”, on y apprend qu’un chat qui ronronne produit 26 vibrations par seconde, qu’en japonais le mot “chat” vient du verbe “dormir” (nemuru ko [dormir + enfant] -> neko), que les chats sont nyctalopes, etc., et on y présente les différents types de pelages de chat.


Dans le chapitre 3 (info # 37 à 44), “De nouveaux jeux avec les chats”, on propose quelques jeux pour embêter votre chats, on apprend que la liane Matatabi (Actinidia polygame) a un effet similaire à l’herbe à chat, et on propose une visite dans un bar ou café à chat (on en suggère à Tokyo mais il en existe aussi quelques uns à Montréal). Dans le chapitre 4 (info # 45 à 53), “Petites histoires sur les chats et la nourriture”, on y apprend que les chats ne perçoivent pas le goût sucré, qu’ils détestent les agrumes, qu’ils adorent laper l’eau du robinet, etc., et on y présente les aliments et plantes toxiques pour les chats.


Dans le chapitre 5 (info # 54 à 63), “Différences entre mâles et femelles et étranges histoires liées au sexe des chats”, on y apprend que les mâles sont généralement plus gros, les femelles plus soignées, que les chatons d’une même portée peuvent avoir des pères différents, etc., et on donne quelques trucs pour aller chez le vétérinaire. Le livre se termine avec des infos bonus (# 64 à 100 — histoire de compléter le compte) sur le language des chats et autres chatfolies et un carnet d’adresses utiles (en France).

C’est un guide amusant qui offre quelques information pratique sans être vraiment très utile. Malheureusement, comme c’est un livre publié en Europe, toutes les information sur les centre d’adoption et les cliniques vétérinaires ne sont d’absolument aucune utilité pour les lecteurs nord-américains. Cela reste néanmoins un bon livre de chevet pour passer le temps en s’amusant. Dans mon cas cela m’a permis, pour un temps, d’allier mon amour des chats et du Japon. D’autant plus que mes deux chats ressemble beaucoup à ceux de l’auteur et que je n’arrêtais pas de me dire durant la lecture que c’est bien vrai que mes chats sont comme ça! Un bon divertissement pour les amateurs de chats. Avez-vous caressé un chat aujourd’hui?

Chattitudes, écrit et illustré par Sayo Koizumi. Paris, Larousse, février 2015. 128 pages, 15 x 21.2 x 1.4 cm, 7,90 € / $12.95 Cnd, ISBN 9782035879301. Lectorat: pour tous les amateurs de chats!

Pour plus d’information vous pouvez aussi consulter les sites suivants:

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Mangeons! (1)

“D’elle, document.write(“”); on ne connaît rien ou presque. Cette superbe jeune femme surgit sans crier gare dans la vie de gens ordinaires qui ont pour point commun d’être agacés, écrasés parfois, par les tracas du quotidien. Jeune diplômé attendant désespérément le résultat d’un entretien d’embauche, homme hanté par le souvenir de la rupture avec sa compagne, mari torturé par sa propre infidélité… Les âmes à secourir sont légion pour celle qui pourrait être la déesse de la bonne chère. Le temps d’un repas auquel elle convie silencieusement cette galerie de personnages, elle leur redonnera le sourire, l’espoir, ou cette légèreté qu’ils ont perdue. Ses armes : une gourmandise ô combien communicative et une sensualité où se rejoignent désir et plaisir du palais, qui feront vite oublier l’incongruité de ses apparitions toujours plus hilarantes.”
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“Entre un bol de nouilles avalé goulûment dans une gargote, des fruits de mer grillés à même le bord de mer où ils ont été ramassés, un steak haché préparé avec amour à la maison, ce pendant féminin du Gourmet Solitaire de Jirô Taniguchi nous convie à un voyage gastronomique, sensuel et comique dans le paysage culinaire japonais d’aujourd’hui, et oeuvre à nous rappeler que la gourmandise est peut-être le plus grand plaisir de la vie et que nous perdrions beaucoup à le bouder.”

Une comédie gourmande en quatre tomes.

(Texte du site de l’éditeur; voir aussi la couverture arrière)

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Mangeons ! (????? / Taberu Dake / lit. “just eating”) est un manga seinen par Sanko Takada qui est d’abord paru en feuilletons dans la magazine Gekkan! (Monthly) Spirits de l’éditeur japonais Shôgakukan entre décembre 2010 et novembre 2013. La série maintenant complète a été compilée en quatre volumes (le premier volume est paru en novembre 2011, le second en mai 2012, le troisième en juin 2013 et le quatrième en janvier 2014). La version française est publiée dans la collection Sakka de Casterman (paru respectivement en mars, juin, octobre 2014 et en février 2015).

Fait intéressant, l’auteur — qui a remporté avec ce titre le 66ème Grand prix comics des nouveaux auteurs de Shôgakukan — est non seulement passionnée par son sujet mais le maîtrise parfaitement puisqu’elle est elle-même diététicienne! La protagoniste de l’histoire rencontre dans chaque chapitre une personne différente avec qui elle partage un repas, écoute leur problèmes et les laisse dans le bonheur, le tout n’étant sans doute qu’un prétexte pour partager avec les lecteurs ses connaissances gastronomiques. Chose amusante, le manga a également été adapté en juillet 2013 par TV Tokyo en une série télévisée de douze épisodes mettant en vedettes les actrices et chanteuses Mariko Goto et Hirofumi Arai. (Ci-contre, page 59)


Le sujet gastronomique, qui me rappel beaucoup Gourmet Solitaire de Jirô Taniguchi — mais avec une tournure humoristique et supernaturelle, dans le style Video Girl Ai ou Ah! My Goddess — en fait un titre qui aurait pu être intéressant… si l’histoire n’était pas aussi insipide, terne et répétitive. Et chaque chapitre nous apparait beaucoup trop court. Il manque quelque chose à la recette…

Dans le chapitre 1, “La déesse et son bol de riz garni,” un jeune en recherche d’emploi désespère de n’avoir aucune réponse. Il reçoit un mail disant “Aujourd’hui vous avez le soutien d’une déesse! Prenez des forces et tout ira bien!” Une jeune femme apparait donc de nulle part et l’entraîne dans un petit restaurant qui ne paie pas de mine où elle commande deux ”Staminadon” (un bol de riz avec une garniture de viande et de légumes sautés). Ils mangent avec enthousiasme et, tout revigoré, il est prêt à se relancer dans la recherche d’emploi! Dans le chap. 2, “Steaks hachés Full Power”, elle montre à un jeune garçon à préparer son repas lui-même à la maison sans attendre sa mère qui est au travail. Au chap. 3, “Dango tricolores sous les cerisiers”, elle partage des boulettes à base de farine de riz avec un homme nostalgique après une rupture. Dans le chap. 4, “Un homme, deux femmes et des bentos”, elle partage une boite à lunch avec un homme qui trompe sa femme. Dans le chap. 5, “Le gâteau coup de coeur”, elle partage un morceau de gâteau et fait vivre de grandes émotions à une jeune fille qui rêve du grand amour. Dans le chap. 6, “Histoire de nouilles”, elle fait des Udon avec un joueur de pachinko qui se prend pour Don Juan. Dans le chap. 7, “Torimotsu night”, elle partage des tripes sur du riz avec Une-chan, le gros chat du quartier. Dans le chap. 8, “Mori-ken et les palourdes”, elle apparait comme une pêcheuse de palourde en détresse à un sauveteur cuistot (pas fameux ce récit).

Le volume se termine avec deux histoires ayant remportées le 66e grand prix Shôgakukan du nouvelle espoir. Dans la première, “Une bonne bouchée de curry”, elle aide un salaryman célibataire à se préparer un plat de curry. Dans la seconde, “La belle et le poisson”, elle prépare du poisson pour une jeune fille qui manque de confiance en elle. Chacune des histoires de ce volume sont entrecoupées de ”L’analyse nutritionnelle d’Ume et de l’auteur” qui analyse la valeur nutritive de chacun des plats présentés. Un peu nul.

Le concept a du potentiel, le dessin est bien mais l’histoire est ennuyeuse et ne “click” pas du tout. J’ai fais la découverte de ce titre en novembre dernier et en ai débuté la lecture en janvier suivant. J’en ai lu quelques pages ici là laborieusement pour l’abandonner au trois-quart au début février. Je l’ai terminé aujourd’hui pour en faire le commentaire. Pénible lecture. Je ne lirai donc pas les tomes suivants.

Mangeons! Vol. 1, écrit et illustré par Sanko Takada. Paris, Casterman (Coll. Sakka), mars 2014. 184 pages, 13.2 x 18 x 1.6 cm, 7,95 € / $13.25 Cnd, ISBN 9782203077034. Lectorat de 14 ans et plus. Un extrait d’une douzaine de pages sur le site de l’éditeur japonais (en japonais évidemment!).

Pour plus d’information vous pouvez aussi consulter les sites suivants:

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Paul dans le Nord

Paul_dans_le_Nord“Été 76. Paul a 16 ans et ne rêve que d’une chose: une motocyclette Kawasaki KE100 pour fuir son quotidien et ses parents envahissants. Avec Ti-Marc, un nouvel ami rencontré à sa polyvalente, Paul traversera cette période difficile de son adolescence avec un peu plus de légèreté. Voyages en auto-stop, soirées arrosées entre copains et expériences nouvelles seront au rendez-vous. Le tout, sur fond de jeux olympiques, de musique de Peter Frampton et de Beau Dommage…”

(Texte du site de l’éditeur; voir aussi la couverture arrière)

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Unshelved 11: Reads well with others

“Our very first full-color collection, document.write(“”); Reads Well With Others features stirring tales of library derring-do, often inspired by, and occasionally blatantly documenting, true stories from librarians around the world. In this volume you’ll find strips about: unattended children, creeps, staff trainings, website redesigns, reading levels, confidentiality, bookstores, coffee… and much more, including Conference Tips never seen on our site.”
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“It’s the same compact size as our last three collections, but this time around every strip is in full color!”

[ Text from the publisher’s website; the back cover is also a must-read ]

“Libraries provide access to information, entertainment, and the Internet. They are the backbone of democracy, sacred places where anyone can find answers to their questions. Unfortunately, people who come there for help behave just as badly they do everywhere else.”

In January Overdue Media released the eleventh compilation of the Unshelved web comics that chronicles the daily misadventures of Dewey and his co-workers at an American dysfunctional library. Reads well with others compiles the comics strips originally published on the website between April 1st 2013 and September 25th 2014, as well as the “Conference Tips” originally published in ALA CogNotes newspapers in June 2014, January 2014 and June 2014.

The Unshelved web comics is very dear to my heart despite the very average quality of the drawings (although it’s probably quite good for a web comics). The reason for that is quite simple: I work in a library myself and I can recognize in those strips situations I’ve found myself in so many times. Believe me, it’s much better to choose to laugh about it than go insane!

The quality of the strips is improving with each new volume, but unfortunately the novelty of the concept wear off so it’s not uproarious anymore. However it’s still quite funny and entertaining to read (maybe less if you don’t know well the library domain). Again, like the last couple of books, I deplore that they haven’t included the “Unshelved Book Club” pages, but at least now the book is 120 pages in full color. You can choose to read the comics for free online, but personally I prefer the convenience of having a real book in my hands (and it offers encouragements to the creators). This should be a mandatory reading for all library staff!

My top ten favourites strips for this volume: 2013-05-13, 2013-05-14, 2013-07-25, 2013-10-01, 2013-11-18, 2013-12-11, 2014-01-22, 2014-03-10, 2014-09-16, and…

2013-09-02

Unshelved Vol. 11: Reads well with others, by Gene Ambaum and Bill Barnes. Seattle, Overdue Media, January 2015. 22.5 x 17 x 1 cm, 120 pgs., $11.95 US / $15.95 CDN. ISBN-13: 978-1-937914-06-6. For readers of all ages.

For more information you can check the following websites:

You can also read my comments on the previous books:

Reads well with others © 2015 Overdue Media LLC. All rights reserved.

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Yoko Tsuno 27 – Le secret de Khâny

Yoko_Tsuno_27-Le_secret_de_Khâny-cov“La nuit est tombée sur Loch Castle Cottage et ses habitants. Mais tous ne dorment pas… Yoko et Émilia sont dehors au moment où un étrange engin volant les survole et, d’un rayon fulgurant, frappe Yoko à la tête. Dans un réflexe de survie, Émilia désintègre l’engin qui explose et s’écrase dans le Loch.”

“Peu de temps après, Khâny apparaît dans son vaisseau spatial et explique à Yoko que l’engin l’a prise pour elle, à cause de l’alignement de leurs ondes de pensée. Elle lui révèle une info étonnante : chargée de veiller sur les Vinéens qui dorment en léthargie sous la terre et d’assurer leur retour sur Vinéa, Khâny a découvert parmi eux une adolescente à qui on a insufflé des connaissances très particulières, à savoir un programme de “purification” capable d’éliminer microbes et bactéries de la surface de la Terre pour permettre aux Vinéens de s’y installer sans danger. Ce programme, sinistre héritage de l’infâme Karpan, aurait donc le pouvoir d’éliminer toute vie terrestre ! Plus grave encore: l’adolescente a réussi à fuir son caisson pour se réfugier sur Mars où un accélérateur-lanceur pointé sur la Terre pourrait réaliser, à titre posthume, l’horrible dessein de Karpan.”

“Pour aider son amie vinéenne, Yoko va prendre tous les risques et se lancer dans cette aventure sans se douter que Khâny lui cache un autre secret…”

[Texte du site de l’éditeur; voir aussi la couverture arrière]

ATTENTION: Peut contenir des traces de “divulgâcheurs”! Les personnes allergiques à toutes discussions d’une intrigue avant d’en avoir eux-même prit connaissance sont vivement conseillé de prendre les précautions nécessaires pour leur sécurité et devraient éviter de lire plus loin.

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MWFF 2015 Day 7


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This was my last day at the festival. I’ve managed to screen most of the Japanese movies I wanted to see. Anyway I couldn’t see more even if I wanted because I am too exhausted. Eighteen movies in seven days!

Actually, document.write(“”); I’ve seen almost all Japanese movies, except Out of my hand (after all it’s not really a Japanese film) and Shinjuku midnight baby (anyway, I’ve heard that it was terrible: too long, with too much gay sex; many girls came for the cute actors but were put off by the graphical guy on guy sex scenes). I’ve seen Master Blaster online (the student short film) and I am planning so see the screener for Hoshiogaoka Wonderland later this week.

Saturday, I’ve seen Neboke, Alone in Fukujima (well, at least half of it), Popura no aki and Decline of an assassin. Four movies in one day to finish my festival in a dash (I had to pack as many movies as possible since my employer refused to give me the Sunday off). It was quite tiring.

There was the same glitch that I’ve often seen this year during Neboke: the picture froze and came back without sound, so they had to change the screening copy (although I doubt it was a problem related to the copy; it was probably due to equipment issues). We started the movie with french subtitles and finished it with english subtitles! I also missed nearly half of Alone in Fukujima because of a scheduling conflict and the fact that Neboke finished later because of the glitch and its Q&A session. Also, my wife wanted to see an Italian movie in competition, but it had been rescheduled and she screened a swedish movie instead. Despite all those little annoyances, it was a good day. I am also glad that, despite their threats, there was no disturbances caused by disgruntled employees during the week-end. It’s good because that’s the moment of week (particularly in the evening) when the festival is the busiest.

Now that the festival is finished (at least for me), I’ll have more time to write and put my comments online, as well as edit the Q&A videos (I have already added the video for At Home Q&A both on my comment page and on Vimeo). But, first, I have to rest a little (and catch up on some of the chores at home). In the meantime, you can check my entry “Montreal World Film Festival 2015” for all the details on this year’s Japanese movies.

I’ve noticed another poster in the Quartier Latin’s hall announcing a sequel for the movie Belle and Sebastien due for February 2016 (in Quebec). It’s titled “L’aventure continue” (The adventure continues). [Google, Youtube, Wikipedia]

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MWFF 2015 Day 6


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I started the day late again today because of other duties (helping my eighty-five year-old mother to move). Even if I was tired, document.write(“”); I’ve managed to see Yoko Sakura, Soredake as well as the documentary Behind “The Cove” (of which I miss the first ten minutes because of programming conflict). It finished late because of the Q&A (controversial subjects always brings more discussions).

With such days so busy with work, duties and a full schedule of screenings, I am getting quite tired. Tomorrow will be my heaviest day with four screenings (and probably my last for this year). Hopefully I’ll be able to rest (and write) in the following days so I can share with you my comments on all those interesting movies.

In the meantime, you can check my entry “Montreal World Film Festival 2015” for all the details on this year’s Japanese movies.

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MWFF 2015 Day 5


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For me it’s the second day of the second week at the festival. I’ve now seen eleven movies, document.write(“”); so it’s just a little more than half of the Japanese films. Despite a few glitches it has been a great festival so far.

Today was excellent. I’ve seen Dear Deer, Summer on the Frontline (which joins the short list of my favourites along with Blowing in the wind of Vietnam) and Gassoh, as well as attending the latter’s press conference.

Press conferences at the MWFF are always somewhat excruciating because every words must be translated both in French (because this is Quebec) and in English (because this is an international film festival after all). It makes a thirty-minute press conference feels very short and only a few questions can be asked by the press and the public to the movie crew. That’s rather annoying but it can’t be helped. I wish the press conference would be longer (since, unlike most big festival, they cannot afford multi-languages simultaneous translation—which would save lots of time).

I’ve filmed most Japanese directors’ introduction to their movies’ screening, with any Q&A sessions that I could attend, as well as today’s press conference. I’ll put them online as soon as I can do a quick edit on each of them in order to keep them as short as possible (which reminds me that I still have press conferences from previous years that I still need to share!).

In the meantime, you can check my entry “Montreal World Film Festival 2015” for all the details on this year’s Japanese movies.

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MWFF 2015 Day 4


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We are already in the second week of the festival. Today I was working, document.write(“”); so I could spare time only for one movie: Haman.

For a second time there was technical issues during the screening. The picture froze, then fast-forwarded and then came back without sound for five or ten minutes. Then they “rewinded” and restarted where the problem had occured. Luckily, no other issues happened. The director, who was present to introduce his movie and for a Q&A afterward, apologized profusely (it was the japanese thing to do) even if it was not his fault.

Despite that small problem, I enjoyed this short day.

If you want to read some comments about the Japanese movies at the festival (in french) you can check the first part of the article by my esteemed colleague Claude R. Blouin.

It seems that more troubles might be brewing for the festival (as if it needed more) as some employees of the festival, experiencing delays with the well-earned payment of their salary, are threatening to strike from Friday if the situation is not resolved (Le Devoir). I can understand their plight but, on the other hand, I know many film buffs who would do their job for free just for a few tickets and a chance to meet with international moviemakers!

I’ll do my best to post my own comments soon but in the meantime, you can check my entry “Montreal World Film Festival 2015” for all the details on this year’s Japanese movies.

MWFF 2015
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MWFF 2015 Day 2


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Today was a perfect day. Much better than yesterday.

Just before leaving this afternoon I have put online my first comment, document.write(“”); for the movie At Home.

I wish I could write more extensive comments but unfortunately I am a little too busy. Seeing movie after movie doesn’t leave enough time to do in-depth analysis. And when you sit at night, after having viewed three movies, it difficult to write in details about each of them. That’s why I try to put down on paper my first impression as soon as I leave the theatre. It’s easy to do when there’s a couple of hours in-between movies, but more difficult when you have to rush from one place to another with just minutes before the beginning of the next show (harder still when there’s a Q&A after a screening).

Anyway, my purpose with this blog has always been to simply introduce a work (be it a manga, a book or a movie) with just enough information (and links) to interest the readers and incite them to look further.

Yesterday, I saw At Home and Ninja Hunter.

Today, I’ve seen Kagura-me, Akai Tama and Blowing in the wind of Vietnam. All ranging from good to excellent. I’ll try to write and post my comments on those movies as soon as possible.

In the meantime, you can check my entry “Montreal World Film Festival 2015” for all the details on this year’s Japanese movies.

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At Home

WARNING: May contains trace of spoilers! People allergic to the discussion of any plot’s elements before seeing a movie are strongly advised to take the necessary precautions for their safety and should avoid reading further.
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“A father, document.write(“”); a mother, an elder son, a daughter and a younger son. A family of five. To all appearances, a perfectly normal, happy family. However it turns out that none of them have a blood relationship. Each of them has a sad story and separate families of their own. Does being related by blood, make a family? Or if they live together, does it make them a family? When people learn to connect with others, when they are placed in a difficult situation, how do they react for a family? This is a film about people who were hurt by family, but saved by family. ”

(Text from the Festival’s program)

The Moriyama family looks like any other ordinary family. However, none of them are related. The father is a thief. He started stealing to support his pregnant wife. She is hit by a car and lose the baby. He gets caught, goes to prison and his wife leaves him. Once out of prison, he continues with a criminal life. One day, during a burglary, he discovers a young boy chained in the bathroom of a house. He decides to save him. Together they settle in a home, acting like father and son. Later, the thief triggers an alarm and, as he might be caught, he is helped by a teenager who has run away from his home. He was verbally abused by his parents who found his indecisiveness and shyness not up to the standard of their rich (but parvenu) status. He joins the father and younger “son” in their home.

The mother was physically abused by her violent husband. One day she is considering killing herself by jumping in front of a train but notices a teenage girl who is about to do the same. Without thinking about her own situation anymore, she prevent the girl from jumping. The girl was sexually abused by her father. They both run away (it is more implied than said or shown) and settle in an apartment together as mother and daughter. One day, the mother meets the father in a pet shop and the father (it’s not shown how or why) invites them to join his little family.

They survive through a life of crime: the father doing burglary, the mother swindling men in mariage schemes, the older son doing forgery in a print shop and the young boy and girl simply going to school. Unfortunately, the mother tries to swindle a bigger swindler and she ends up kidnapped. The family rushes to gather the ransom, but, despite the father’s warning, it leads them to a violent outcome. The father goes to prison again to save his family. In the end, the family will pull through thanks to its strength. Despite not being related, they all had suffered abuse and could better understand and confort each other. Reconstituted family can work and even be stronger than blood ties.

There is a lot of frustration nowadays in Japan which apparently translate into an increase of domestic violence at home. This subject (and its salvation through reconstituted family) is interesting but the storytelling is often way too slow, and also contains gaps or credibility issues. Some scenes are simply not plausible, not because of the actors’ performance, which is quite excellent, but because the situation is being too convenient or at least not explained in a satisfactory manner. However, it is a beautiful story and a good enough movie to be well worth watching.

At home (??????): Japan, 2015, 110 min.; Dir.: Hiroshi Chono; Scr.: Teruo Abe (based on the novel by Takayoshi Honda); Music: Takatsugu Muramatsu; Phot.: Shinya Kimura; Ed.: Osamu Suzuki; Prod. Des.: Shin Nakayama; Cast: Yutaka Takenouchi (Dad/Thief), Yasuko Matsuyuki (Mom/Swindler), Kentaro Sakaguchi (Jun Moriyama), Yuina Kuroshima (Asuka Moriyama), Yuto Ikeda (Takashi Moriyama), Jun Kunimura, Itsuji Itao, Seiji Chihara.

Film screened at the Montreal World Film Festival on August 28th, 2015 (Cinema Quartier Latin 12, 12h00 – with an attendance of 90 people, filling 60% of the theatre) as part of the “Focus on World Cinema” segment. The director was present for a short Q&A at the end.

For more information you can visit the following websites:
At Home © ?at Home?Production Committee.

Video of the Q&A session


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MWFF 2015 Day 1

This year the festival is already hard for me because I have to cover it while working full-time (it’s difficult lately to get days off at the library) and also while helping my eighty-five year-old mother to move in her new apartment. On top of it, document.write(“”); there are twenty-something Japanese movies to watch this year. A though order.
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Like the last couple of years, the festival has this feeling of the end of a party. Everybody seems to thinks that it might be the last year, despite Losique’s denial (
The Gazette, Variety). The festival has always had its critics or doomsayers, and this year again many are asking for change at the top or already planning a replacement. All those talks are casting a shadow on the festival. For my part, as I’ve said before, I don’t really care as long as they continue to show great movies that I cannot see anywhere else. Unfortunately, the lack of funds is showing in the organization of the festival (glitch, scheduling problems, technical problems, communication problems, etc). It seems particularly disorganized this year (but is it really more than usual?).

Unfortunately, my first day at the festival was quite disastrous. The first movie was good. The second movie had so many technical problems (started ten minutes late, microphone problem for the presentation, there was picture without sound, sound without picture, repeatedly) that the screening was interrupted and cancelled a little before the middle of the movie. I had to go to the screening room of the Film Market to see the (disappointing) end. There the copy ran just fine so it’s unlikely that the problem was caused by the dvd encoding (the excuse was that since it’s a foreign movie the encoding could have been messed up, but usually if this is the case it just either work or doesn’t) so the problem must have been with the Quartier Latin’s equipment (they were using VLC on a MacBook and a digital projector). It’s not the first year that this kind of problem occurs.

And the third movie… was cancelled due to some rescheduling! That’s quite annoying. I had made myself a (gruelling) schedule where I could see all Japanese movies, but with those changes it will be impossible. And at least one of the movie that I can’t watch is not even available in the Film Market screening room…
Shinjuku Midnight Baby rescheduledDecline of an assassin rescheduled
Anyway, I’ll try to post soon my comments on the two movies I’ve managed to see today, and you can still check my entry “Montreal World Film Festival 2015” for all the details on this year’s Japanese movies.

I also noticed in the Quartier Latin lobby a poster announcing the movie “Paul à Québec” for September 18th. Great!

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Elle s’appelait Tomoji

“L’histoire vraie d’une rencontre signée Taniguchi
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“Taniguchi met ici en scène la rencontre entre deux adolescents dans le Japon de l’entre-deux guerres (1925-1932). Tomoji vit dans la campagne au nord du mont Fuji, document.write(“”); tandis que Fumiaki fait ses premiers pas de photographe à Tokyo. L’auteur nous fait découvrir avec sa sensibilité habituelle ce qui va unir ces personnages.”

“Une histoire inspirée de personnages réels qui fonderont par la suite une branche dérivée du bouddhisme.”

[Texte du site de l’éditeur; voir aussi la couverture arrière]

Continuez après le saut de page >>

Elle s’appelait Tomoji (intitulé simplement ????? [ Tomoji ] en japonais) est le fruit d’une commande de la part du temple bouddhiste fréquenté par Jirô Taniguchi et son épouse. L’histoire est d’abord parue dans le bulletin trimestrielle de la secte Shinnyo-En avant d’être publié chez Futabasha en août 2014. La traduction française n’a pas tardé à paraître en janvier 2015 chez un jeune éditeur appartenant au groupe de l’école des loisirs, Rue de Sèvres, qui avait déjà publié Giacomo Foscari de Mari Yamazaki en septembre 2013 ainsi que Cet été-là par Mariko et Jillian Tamaki (une BD par des nord-américaines d’origine japonaise) en mai 2014.

Dans l’interview inclut à la fin de l’ouvrage, Taniguchi nous explique que Shinnyo-En désirait “valoriser ce qui fait la particularité de ce temple, et notamment mieux faire connaître la personnalité et le parcours de sa créatrice, Tomoji Uchida.” Taniguchi n’avait cependant pas l’intentsion de se lancer dans un travail hagiographique, car de simples anecdotes biographiques sont insuffisant pour bâtir une histoire accrocheuse. Pour ce faire il était nécessaire d’y introduire des éléments fictifs. Il décida de se concentrer sur la vie de Tomoji avant la création du temple en privilégiant “le parcours de vie qui a façonné la personnalité de Tomoji, et qui l’a conduite à choisir la voie de la spiritualité.”

Ayant un emploi du temps plutôt chargé et étant peu familier avec ce genre de récit et la période, Taniguchi a décidé de faire appel à une scénariste professionnelle, Miwako Ogihara. Il admet volontiers qu’avec les années il produit des mangas qui offrent moins d’action et de passion, comme ce fut le cas pour Blanco ou Le sommet des dieux, par exemple, et plus de subtilités et de douceurs. Dans le cas de Elle s’appelait Tomoji, il trouvait particulièrement important que l’intrigue se déroule d’une “façon calme et précise”.

Taniguchi nous raconte donc divers moments marquants de la vie de Tomoji Uchida. Chapitre I: Elle s’appelait Tomoji; 1925 (Taishô 14). Tomoji a 13 ans et revient de l’école en flânant. Pendant ce temps, Fumiaki Itô, 19 ans, arrive au village pour photographier, à la demande de sa mère, la grand-mère de Tomoji, Kin Uchida (67 ans)—dont il est le petit-fils de la soeur ainé. Tomoji arrive tard et elle croise Fumiaki sur la route mais sans le rencontrer. Le 9 mai 1912 (dernière année de l’ère Meiji) nait Tomoji par une nuit orageuse.

Chapitre II: Des jours heureux; Mai 1913 (Taishô 2): Pour l’anniversaire de Tomoji, toute la famille se rends chez le photographe de Nirasaki, à vingt kilomètres de Takane. Août 1914 (Taishô 3): sa petite soeur, Masaji, vient au monde. Décembre 1916 (Taishô 4): son père, Yoshihira, meurt d’une péritonite aigüe due à une appendicite.

Chapitre III: La séparation; janvier 1919 (Taishô 8): les enfants travaillent à l’épicerie de la famille; la mère, maintenant veuve, retourne dans sa famille à Gochôda. Elle sera élevé par sa grand-mère et son grand (demi-)frère, Toyô. En avril, Tomoji rentre à l’école primaire Jinjô à Nagasawa. Elle doit marché, seule, plus d’une heure pour s’y rendre. Au retour elle doit aider aux travaux ménagers et au magasin. Printemps 1921 (Taishô 10): Masaji entre aussi à l’école, ce qui fait que Tomoji ne marche plus seule. Masaji est souvent malade. Décembre 1921: la fièvre de Masaji empire et elle doit rester alité plusieurs jours. Janvier 1922 (Taishô 11): Masaji meurt de la fièvre.

Chapitre IV: Le ciel, au loin; avril 1923 (Taishô 12): Tomoji va en excursion avec sa classe.e Elle démontre beaucoup de compassion et d’entraide pour ses amis et sa famille. Été 1923 (Taishô 12): Tomoji est bien organisé et débrouillarde dans son travail. Sa famille mène une vie simple mais sereine. 1er septembre 1923 (Taishô 12): c’est le grand tremblement de terre de la région du Kantô et un vaste incendie ravage Tokyo. Fumiaki, qui vit maintenant à Tokyo, assiste de près à la catastrophe. Été 1924 (Taishô 13): Tomoji travaille aux champs avec sa grand-mère. Le travail est dur mais “après les difficultés… il y a toujours quelque chose d’heureux qui arrive.” Pendant ce temps, Tokyo se reconstruit et Fumiaki apprend l’anglais.

Chapitre V: Le voyage; mars 1925 (Taishô 14): il est décidé que Tomoji poursuivra ses études à l’école supérieure. Elle doit marcher trois kilomètre sur un chemin de montagne pour aller en classe, où elle excelle en toute matière dont le chant. Elle est nommé déléguée de classe. Été 1930 (Shôwa 5): un mariage est arrangé pour Toyô. La grand-mère, qui travaille encore au champs, au magasin et dit des prières pour les voisins malades, commence à avoir des problèmes de santé et meurt à 72 ans. A ses funérailles, le 1er septembre 1930, “Tomoji se souvient de sa grand-mère, attentive aux problèmes que lui racontaient les gens pour pouvoir les aider.” À l’automne c’est le marriage de Toyô. Tomoji décide de quitter la maison pour aller à l’école de couture de kimonos à Kôfu. Elle part en janvier 1931 (Shôwa 6). Elle a 18 ans.

Chapitre VI: Le printemps est arrivé; janvier 1931: de sept heures du matin à minuit, Tomoji passe tout son temps à la couture, puis aux travaux ménagers. Son seul moment de repos c’est celui du repas. Janvier 1932 (Shôwa 7): elle retourne à la maison pour visiter son frère et sa femme qui est enceinte. Elle y apprend qu’elle a une proposition de mariage: il s’agit de Fumiaki Itô de Minami-Arai. C’est un bon prospect car il travail dans une société de construction d’avion à Tokyo. Il est aussi de retour dans sa famille pour les fêtes du nouvel an. Mais avant qu’elle aille se présenter à sa famille, Fumiaki et son frère viennent faire une visite surprise. Quelques jours plus tard, Tomoji se rends avec sa tante à Minami-Arai pour rencontrer la famille de Fumiaki. Elle y fait bonne impression grâce à la bonne éducation qu’elle a reçu de sa grand-mère. Elle est adroite et économe: “Le riz est le résultat de beaucoup de travail (…) il ne faut pas en gaspiller le moindre grain.” De sa grand-mère elle dit aussi qu’elle “était sincèrement dévouée aux autres.” Le jeune couple promet de s’écrire et chacun retourne à son travail.

En Mars, Tomoji reçoit une lettre de sa tante pour lui annoncer qu’elle a reçu le consentement officiel de madame Yoshi Itô pour le mariage. Elle écrit aussitôt à Fumiaki pour lui dire qu’elle est prête à partir dès qu’il viendra la chercher. Il vient aussitôt et ils repartent pour Tokyô. Comme il n’est pas le successeur de la famille et qu’elle n’a pas de dot, ils décident qu’ils peuvent se passer de cérémonie de mariage. En avril, ils s’installent dans un appartement près de la gare de Tachikawa. Ils organisent un petit banquet pour célébrer leur union. Tomoji veux vivre simplement, et construire une famille avec des enfants “dont les rires animent la maison”. Pour la première fois depuis la mort de son père, Tomoji est heureuse et sereine. Elle a le sentiment qu’elle doit beaucoup à sa grand-mère…

Dans Elle s’appelait Tomoji, on retrouve avant tout le superbe style graphique de Taniguchi — clair, précis, détaillé, avec quelques belles pages en couleurs — ainsi que le même genre de récit que pour Le Journal de mon père. Toutefois l’on sent qu’il y manque quelque chose et que le récit n’a pas vraiment d’âme. Le sujet était pourtant prometteur mais Taniguchi (et/ou la scénariste) a échoué dans sa tentative d’en faire un récit captivant. C’était probablement un projet trop ambitieux et Taniguchi a essayé de couvrir trop d’année en un petit nombre de pages ce qui en fait un récit beaucoup trop anecdotique. C’est un très beau manga, et malgré la volonté d’en apprendre plus sur ce personnage intéressant, la lecture n’en est cependant pas satisfaisante. C’est donc un manga très décevant, ce qui est rare dans le cas de Taniguchi.

Elle s’appelait Tomoji, scénario: Jirô TANIGUCHI et Miwako Ogihara, dessin: Jirô TANIGUCHI. Paris: Rue de Sèvres, janvier 2015. 174 pgs, 18.5 x 25.5 cm, 17 € / $31.95 Can, ISBN: 9782369811312. Recommandé pour public adolescent (12+). Un extrait peut être consulté sur le site de l’éditeur.

Pour plus d’information vous pouvez aussi consulter les sites suivants:

Elle s’appelait Tomoji © Jirô Taniguchi / Miwako Ogihara, 2014. Traduction française © Rue de Sèvres, Paris, 2015.

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Inspector Imanishi Investigates

“In the railroad yard of Tokyo’s Kamata Station a disfigured corpse is found, document.write(“”); its head pillowed on one rail, thighs across another, awaiting the departure of the first morning train to complete the grisly work. The solitary clue is a name: Kameda. It leads nowhere until from the Homicide Division comes Inspector Imanishi Eitaro, a dogged, respected investigator, minimally educated, genteel, a gardener fond of haiku.”
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“Typically Japanese, he takes his work not only seriously but personally, even more so when the victim turns out to have been a retired policeman. When the case is closed unsuccessfully, he pursues the investigation on his own. Too abashed to even ask for expenses when his hunch directs him on an expedition to a rural village, he uses his wife’s savings (gladly proffered, since it is for the job). From the Japanese Sea to the Pacific, from Tokyo to the rural north, Imanishi pursues his quarry, using up vacation days and off-duty hours. Peasants, politicians, movie makers, actors, doctors, scholars — the hunt for the murderer takes him into the recesses of Japanese society and the Japanese psyche. With utter dedication, Imanishi moves ever closer, tracing what are really a string of crimes dedicated by a uniquely Japanese motive.”

Inspector Imanishi Investigates is not simply a mystery, not is its author a simple mystery writer. (…) Seichô Matsumoto, is credited as the restorer and innovator of Japanese detective fiction following the Pacific War (…). In the 1950s, he introduced the “social detective story,” a police procedural that depicted society in realistic terms. Appearing first as a newspaper serial and then in book form in 1961, Suna no Utsuwa (“Vessel of Sand”) sold in the millions and established its author as the leader of a new generation of writers. Although he only began writing at the age of forty, in his long and distinguished career, Seichô Matsumoto has published over 450 novels, histories and non-fiction works, and has garnered many awards, including [notably for this novel] the the Akutagawa Literary Prize and the Mystery Writers of Japan Prize.”

[Text from the inside jacket]

WARNING: May contains trace of spoilers! People allergic to the discussion of any plot’s elements before seeing a movie are strongly advised to take the necessary precautions for their safety and should avoid reading further.


This novel, originally titled Suna no utsuwa (??? / lit. “The Bowl of sand”), was first serialized in Yomiuri Shimbun between May 17, 1960 and April 20, 1961 before being published by Kobunsha (kappa novels) in July 1961. It was translated in english as Inspector Imanishi Investigates and in french as Le vase de sable. It was adapted by Shochiku in 1974 into a movie titled Castle of Sand (which we commented recently) and was also made into TV dramas by TBS (in 1962 and 2004), Fuji TV (in 1977) and TV Asahi (in 1991 and 2011). So it’s obviously a popular story.

Seichô Matsumoto [1909-1992, see picture on the right, from the back cover, © Bungei Shunju Ltd] is often compared to other crime writers like Belgium’s Georges Simenon (creator of Detective Maigret) or England’s P.D. James (creator of detective Dalgliesh). As it is said on the inside jacket of the book, he played an important role in the development of modern Japanese detective fiction by creating police procedural stories that were strongly embedded into the social and cultural environment of postwar Japan. He published over four hundred books (novels but also short stories collections and essays mostly about Japanese and ancient history). He was Japan’s best-selling author of the 60s.

The novel is divided into seventeen chapters. In the first one, titled “Kamata Railroad Yard”, the crime scene is described and all the known elements of the case listed. Then, only five pages later, we are introduced to the main character of the story, Imanishi Eitaro, a 45-year-old veteran police officer and part-time poet. An old man has been found bludgeoned to death in the Kamata train yard in Tokyo and the only clues is that a waitress from a nearby bar said the victim spoke with a Tohoku accent, she saw him with a younger man and overheard them talk about “Kameda”. Is that a person’s name or place? Maybe it refers to Kameda Station in Akita Prefecture?

In chapter two, “Kameda”, Imanishi travels by train to Kameda along with Yoshimura Hiroshi, a younger and enthusiastic colleague. Except for the presence, the previous week, of a strange man, they cannot find any new leads for their investigation. On the train back, they see a group of four young men surrounded by fans and reporters. They are told they are members of the Nouveau group, a younger generation of intellectuals with progressive opinions: the composer Waga Eiryo, the playwright Takebe Toyoichiro, the critic Sekigawa Shigeo and the painter Kanazawa Mutsuo. It seems that serendipity can play a role in a criminal investigation…

In chapter three, “The Nouveau Group”, we are introduced a little more to this group of intellectuals, and particularly to Sekigawa and his mistress, Emiko. In chapter four, “Unsolved”, the investigation team (made of eight investigators from the Homicide Division of the Metropolitan Police and fifteen local precinct investigators) is disbanded due to the lack of progress. Imanishi and Yoshimura meets in a bar to discuss the case. Back home, Imanishi is told by his wife that a young actress just moved in a nearby apartment building. Waga Eiryo is injured in a taxi traffic accident and is visited in the hospital by friends and his fiancé, Tadokoro Sachiko, the daughter of a former cabinet minister.

In the fifth chapter, “The woman of the paper blizzard”, the investigators get their first break when the adoptive son of the victim files a missing-person report and identifies him has Miki Kenichi, a retired grocer from Okayama Prefecture. Back home, Imanishi meets his sister who tells him that she has a new tenant in one of her apartment units, apparently a hostess in a bar in Ginza. Murayama, an art critic, tells his friend Kawano about a strange encounter he had in a train: a young woman was throwing out of the train’s opened window what looked like shredded white paper. His friend asks if he could publish this poetic story as his own. In chapter six, “The distribution of dialects”, Imanishi wonders that if Miki Kenichi was from Okayama Prefecture how could he then talks in Tohoku dialect? However, he discovers that the Izumo dialect is somehow similar to Tohoku’s and that there’s a place called Kamedake in that area too, so he goes to Shimane Prefecture to investigate. He learns that, before becoming a grocer, Kenichi worked a longtime as a policeman in Kamedake. Imanishi meets with the police chief of Minari station in Nita town and with one of Miki’s friend in Kamedake, an abacus maker named Kirihara Kojuro. He can now start to investigate Kenichi’s life in search for a motive for his murder. He doesn’t learn much. He mostly hears stories about how Miki-san was a very good man, always helping people, like this time when a leper beggar traveled through the village with his son.

Chap. seven, “Bloodstains”: Imanishi reads the story the “Girl of the paper blizzard” in a magazine and is intrigued. He tracks down the writer to get more details. What if the girl is the murderer’s mistress getting rid of evidence, for instance the blood stained shirt he was wearing at the time of the murder? He goes looking along the train tracks and indeed finds bloodstained cloth fragments. Tests reveals it is the same blood type as Miki! He also learns that Naruse Rieko, the young woman who moved into an apartment near his home, had just committed suicide. On a hunch he goes investigates at the Avant-Garde Theatre where she was employed and meets a young actor named Miyata Kunio who seems to know something about the reason behind her suicide. He promised to meet Imanishi later to give him more helpful information. Chap. eight, “A mishap”: Miyata never shows up at the meeting and, the next day, Imanishi discovers that he is dead, of an apparent heart attack. He starts investigating him, going back to the theatre and then to his apartment and discovers that he was probably the man, disguised as a labourer, acting strangely in Kameda!

Chapter Nine, “Groping”: On the spot where Miyata died, Imanishi and Yoshimura find a piece of paper with what seems unemployment statistics. They surmise that Miyata must have been hired by the killer to go to Tohoku in order to distract the police. Imanishi goes to visit his sister in order to discreetly interview her tenant, Miura Emiko. She seems well-learned for a bar hostess and interested in everything written by Sekigawa. He also suspects that she’s pregnant. Chapter ten, “Emiko”: Emiko tells Sekigawa about her encounter with Imanishi and that she is pregnant. He seems displeased and asks her to move out of that place immediately. Later, Imanishi learns from his sister that Emiko has moved out. He investigates the moving company and the bar where she was working, trying to find her whereabouts. He finds this highly suspicious.

Chapter eleven, “A woman’s death”: Imanishi’s suspicions are confirmed when he leans that Emiko died of an apparent miscarriage. He now starts investigating Sekigawa, trying to learn more about him and find out his birthplace. He learns he was born in Yokote City, in Akita Prefecture. Chapter twelve, “Bewilderment”: Imanishi and Yoshimura meet again to discuss the case and Imanishi writes a couple of letters to request more information from Miki’s adoptive son and from the abacus maker. The last time Miki Kenichi was seen by his family, he was leaving for a lengthy pilgrimage that culminated in Ise. He was supposed the come right back to Okayama, so why did he stop in Tokyo? He must have seen something or someone that made him change his plans. So, once again, Imanishi takes the train to investigate around the Ise shrine. He learns that Miki went to a movie theatre twice just before leaving for Tokyo. He must have seen something in the movies that suddenly made him change his plans.

Chapter thirteen, “A thread”: Imanishi goes to the movie company to screen the films seen by Miki in Ise, but he sees nothing suspicious. Maybe it was something in the news reels or previews? Yoshimura, who saw the movie in question a while ago, thinks that the preannouncement of the next movie, a foreign feature, had scenes from the opening nights showing lots of celebrities, including maybe some members of the Nouveau Group. Imanishi is not only investigating Sekigawa but also Waga Eiryo. He is going to Yamanaka in Ishikawa Prefecture, a small and poor village, to investigate the wife of the leper beggar that Miki had helped and try to find the whereabouts of his son. Chapter fourteen, “Soundless”: Yoshimura reports to Imanishi that he looked around Sekigawa’s house and came upon the strange story of peddlers getting sick with no apparent reasons while trying to push their products at his doorsteps. Imanishi is finally able to see the preview movie for himself, but can’t find anything useful in it.

Chapter fifteen, “On the track”: The Ise police questioned the theatre’s manager and it is revealed that a commemorative photograph showing the manager with agriculture and forestry minister Tadokoro Shigeyoshi and his family was displayed at the theatre when Miki visited. Finally, Imanishi is able to identify the face that had drawn Miki to Tokyo! Imanishi goes back to the Avant-Garde Theatre and learns that a man’s raincoat was stolen from the wardrobe of the theatre. It was a stage costume used by Miyata Kunio and probably stolen by Naruse Rieko for her lover. So the killer could walk back home without attracting attention since his bloodied shirt was covered by a raincoat! He also learns that what made the peddler feel sick at Sekigawa’s house was an ultrasonic device used as “peddler repellent.” Chapter sixteen, “A certain family register”: Imanishi goes to Osaka to investigates Waga’s family register. He deducts that, since it was destroyed during the war and reconstruct with information provided by the people on an honour basis, the information is likely false. Imanishi and Yoshimura realize that the paper found near Miyata Kunio’s body wasn’t unemployment statistics after all, but a list high and low frequencies with silences, a recipe for murder!

Chapter seventeen, “The loud speaker announcement”: At the Homicide Division, Imanishi explains his findings to the team. All the pieces of the puzzle are finally coming into place and the murderer is arrested before he boarded a plane for the U.S.A.

First of all, the title of this translation is terrible. The original title can be literally translated as “The Bowl of sand” (it’s poetic, but the deeper meaning of it escapes me; maybe it refer to the futility of hubris, since a bowl of sand cannot retain any water?). It was probably too complex for the american publisher who chose this utterly unimaginative title instead (note that the french publisher kept the original spirit of the title with “Le vase de sable” which means “the vessel of sand”).

Like the movie, that we recently commented, this novel is a very detailed police procedural. The storytelling is more linear than the movie and much more complex as several characters were eliminated or merged for the movie. The main difference is the fact that there’s two main suspects (Waga and Sekigawa), there’s two girlfriends or mistresses’ murders (Emiko and Rieko) on the sideline of the main crime and the use of an ultra-sonic device as the secondary murder weapon. This intrigue was probably too complex (and confusing: two artists, two girlfriends) for a movie which needed a simpler plot. Also, the movie put much more emphasis on Waga’s father and his disease, while the book pits the westernized ideas of the Nouveau group (progressive but also corrupting — after all two of its members, full of hubris, committed murder to preserved their status) against the simpler and beautiful way of life of traditional Japan (represented by the abacus maker) — although it could also means abject poverty (like in the village of Waga’s mother).

It’s a good novel and, despite the fact that it painstakingly follows every steps of the investigation, I didn’t feel any lengths. However, even if it’s not a very exciting story, it’s a good example of Japanese detective story, and for this it’s well worth reading.

Inspector Imanishi Investigates, by Seichô Matsumoto (translated by Beth Cary). New York, Soho Press, september 1989 (republished in July 2003). 16 x 24.5 x 3 cm, 314 pg., $16,95 USD / CAN. ISBN: 0-939149-28-1 (2003 edition: 9781569470190). Suggested for young adults (16+). You can read a lengthy extract of the novel on Google books.

For more information you can check the following websites:

Inspector Imanishi Investigates © 1989 by Seichô Matsumoto. All rights reserved.

[ Traduire ]

Castle of Sand

This movie “tells the tale of two detectives, document.write(“”); Imanishi (Tetsuro Tamba) and Yoshimura (Kensaku Morita), tasked with tracking down the murderer of an old man, found bludgeoned to death in a rail yard. When the identity of the old man can’t be determined, the investigation focuses on the only other clue: a scrap of conversation overheard at a bar between the old man and a younger one. (…)”
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(Text from the
Wikipedia entry)

WARNING: May contains trace of spoilers! People allergic to the discussion of any plot’s elements before seeing a movie are strongly advised to take the necessary precautions for their safety and should avoid reading further.


Early monday morning on June 15th, TCM aired a double-bill of Japanese movies as part of their foreign movie programme, TCM Imports (the previous week they had shown Rashomon and two weeks later, on sunday June 28th, they will show two Gozilla movies: Godzilla vs. Monster Zero (1970) and Godzilla, King of the Monsters! (1956)). I have already commented on the first movie, Zero Focus. The second movie, The castle of sand, is also a movie directed by Yoshitaro Nomura and based on a mystery novel by Seicho Matsumoto.

The novel, also titled Suna no utsuwa (lit. “The Bowl of sand”), was first serialized in Yomiuri Shimbun between May 17, 1960 and April 20, 1961 before being published by Kobunsha (kappa novels) in July 1961. It was translated in english as Inspector Imanishi Investigates and in french as Le vase de sable [I have also commented on the novel]. It was adapted into a movie by Shochiku in 1974 and was also made into TV dramas by TBS (in 1962 and 2004), Fuji TV (in 1977) and TV Asahi (in 1991 and 2011). So it’s quite a popular subject.

The Castle of Sand is a detailed police procedural movie where we follow the meticulous investigation of two detectives: Imanishi Eitaro, a 45-year-old veteran police officer and part-time poet, and Yoshimura Hiroshi, a younger and enthusiastic policeman from Shinagawa station. An old man has been found bludgeoned to death in the Kamata train yard in Tokyo and the only clues is that a waitress from a nearby bar said the victim spoke with a Tohoku accent, she saw him with a younger man and overheard them talk about “Kameda”. Is that a person’s name or place? Maybe it refers to Kameda Station in Akita Prefecture? They travel by train to this place but cannot find any more leads and their investigation stalls.

They get their first break when the adoptive son of the victim files a missing-person report and identifies him has Miki Kenichi, a retired grocer from Okayama Prefecture. But then how could he talk in Tohoku dialect? However, Imanishi discovers that the Izumo dialect is somehow similar to Tohoku’s and that there’s a place called Kamedake in that area too, so he goes to Shimane Prefecture to investigate. He learns that, before becoming a grocer, Kenichi worked a longtime as a policeman in Kamedake. Imanishi meets with Kirihara Kojuro, a local abacus maker who was a friend of Kenichi and he can start to investigate Kenichi’s life in search for a motive for his murder. Kenichi was a very good man and the only incident that stand out in his career in Kamedake is when he helps a beggar, Chiyokichi Motoura, suffering from Hansen’s disease (leprosy) who’s traveling all over Japan with his son Hideo. Chiyokichi is put in a sanatorium and Kenichi, who doesn’t have any children, would like to adopt Hideo, but the young boy is full of resentment and disappears.

The last time Miki Kenichi was seen by his family, he was leaving for a lengthy pilgrimage that culminated in Ise. He was supposed the come right back to Okayama, so why did he stop in Tokyo? He must have seen something or someone that made him change his plans. So, once again, Imanishi takes the train to investigate around the Ise shrine. In the meantime, young policeman Yoshimura Hiroshi is looking for the murderer’s shirt which was likely covered by blood in the attack and, since he wasn’t noticed by anyone in the aftermath, he must have somehow got rid of it. Someone had noticed a woman in a train throwing shredded paper or clothing through the window. Could have it been the shirt? Yoshimura locates her but when he tries to interrogate her, she escapes. In several occasions, the detectives cross path with a young up-and-coming composer-conductor named Waga EiRyo, who, they later learned, is the lover of Rieko (played by Yoko Shimada, of Shogun‘s fame), the woman from the train. The investigation then shift toward him and brings our detectives to Osaka. Who is he and what’s his connection with Miki Kenichi?

The Castle of Sand is a very good movie offering a captivating detective story. It is well written and masterfully intertwines at least three storylines (the investigation, Chiyokichi and Hideo’s story, Rieko and Wada’s story) that will somehow converge in the end. The movie is also beautifully shot. It is in many ways similar to Zero Focus, the other movie by director Yoshitaro Nomura (often called “Japan’s Hitchcock”) that we have recently seen. Again, Nomura makes us travel by train to a rural Japan that doesn’t exist anymore, but this time we see it in colour. He also offers us a much more impressive cast with the like of Tetsuro Tamba (Harakiri, Kwaidan, You Only Live Twice, Riki-Oh, The Twilight Samurai) or Ken Ogata (Vengeance Is Mine, The Ballad of Narayama, The Pillow Book, The Hidden Blade, Love and Honor), with cameo appearances of Kiyoshi Atsumi (of Tora-san‘s fame) and possibly Nobuko Miyamoto (wife and preferred actress of director Juzo Itami—but she’s not credited here…).

This is probably the best and most successful of Nomura’s movies. It not only offers an interesting police story full of drama and compassion, but also preserve on film the fascinating geographical and social landscapes of the ’60s and ’70s Japan, somewhat reminding us that nonconformity (expressed here by the father’s disease) always brought rejection and ostracism from Japanese society. My only complain is that the movie is way too long. Particularly the end, where Imanishi explains to his colleagues how the last pieces of the puzzle come together while, as we see a long flashback of the hardship of his childhood, Waga plays his latest composition, titled “Destiny”, to a packed concert hall. We have to endure the whole concerto for nearly fourty minutes! However, it is still a movie that I highly recommend.

You can find several trailers of the movie on Vimeo and on Youtube (in Japanese only):


Actually, you can even watch on Youtube the whole movie (again, in Japanese only):


The Castle of Sand ( ??? / Suna no utsuwa / lit. “Bowl of sand” ): Japan, 1974, Colour, 143 min.; Dir.: Yoshitaro Nomura; Scr.: Shinobu Hashimoto, Yoshitarô Nomura & Yôji Yamada (based on the novel of the same title by Seicho Matsumoto); Phot.: Takashi Kawamata; Ed.: Kazuo Ôta; Art dir.: Kyôhei Morita; Mus.: Yasushi Akutagawa; Prod.: Shinobu Hashimoto, Yoshiharu Mishima, Masayuki Satô; Cast: Tetsuro Tamba (Detective Eitaro Imanishi), Go Kato (Eiryo Waga/Hideo Motoura), Kensaku Morita (Detective Hiroshi Yoshimura), Yoko Shimada (Rieko Naruse), Karin Yamaguchi (Sachiko Tadokoro), Ken Ogata (Kenichi Miki), Seiji Matsuyama (Shokichi Miki), Yoshi Kato (Chiyokichi Motoura), Chish? Ry? (Kojuro Kirihara). Available on Dvd only in importation.
For more information you can visit the following websites:
The Castle of Sand © 1974 Shochiku Co., Ltd.

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